Explorar los límites del diseño gráfico en cualquiera de sus ámbitos nos hace querer ir más allá. Y una vez que hayamos diseñado en las situaciones más extrañas, buscamos la comodidad. La comodidad se reduce en los menos obstáculos posibles para dibujar. El teclado y ratón limitan un poco la creatividad a unos clics. Es por ello que necesitamos a veces de una Tableta Gráfica para trabajar.

La tableta gráfica es un elemento muy usado. Es una extensión del dibujo a mano alzada. Pero no siempre es una experiencia positiva. A veces compramos algo barato y nos decepciona su textura, sensibilidad y la complejidad del bolígrafo. También el hecho de una área de dibujo un poco pequeña. Pero casi todo dependerá del precio. Y digo casi todo, porque en este artículo vamos a buscar buen precio y la mayor calidad para elegir una buena tableta gráfica sin necesidad de hipotecarte por ello.

En este caso no se trata como en otras ocasiones de software. Las características principales que debe tener una tableta gráfica: Tamaño, Área, Presión del lápiz, fluidez y resolución entre otras. Así, una vez que decidamos adquirir una, sepamos cuáles son los puntos a tener en cuenta para decantarnos.

El tamaño que importa

Si el tamaño de la tableta gráfica es mayor, realizará más funciones y tendrá mayores posibilidades. Esto se deberá al espacio que tenemos en ella. Es cierto que cuánto más aumenta su tamaño también lo hace su coste, es por ello que valoraremos nuestro trabajo y la importancia de éste para decidirnos por una u otra.

Ten en cuenta que si tu trabajo requiere de realizar viajes, ya sea por avión, trenes o en coche, una tableta gráfica con un tamaño notorio quizás no sea lo adecuado. En este caso una tableta gráfica Intuos S puede ajustarse mejor a las necesidades. La Intuos S es una tableta gráfica sencilla, de las más pequeñas del mercado, lo cuál es fácil para transportarla y con unas funciones mínimas. Esto no quiere decir que no tenga posibilidades, ya sabemos que las herramientas no lo son todo y lo más importante es la dedicación y el esfuerzo.

Si tus herramientas de trabajo se van a usar en una oficina o en tu casa y tratas de realizar grandes proyectos una tableta gráfica de mayor tamaño y con una pantalla integrada te resultará muy útil. Así trabajarás directamente con el proyecto sin necesitar buscar los resultados en una pantalla externa. La gama Cintiq de Wacom o GT de Huion son idóneas para ello. Dependerá del poder adquisitivo de cada uno el modelo a adquirir.

Si incurrimos en su precio, vamos a ver como puede pasar de los 60€ a más de 1000€. Una Wacom Intuos S es un modelo sencillo o de la gama Huion, la tableta 1060 de alrededor de 80€ puede valer como primera opción. En el caso de necesitar una más potente y grande el modelo Wacom Cintiq con un precio bastante superior puede ser la solución. Este modelo, se suele ver en grandes diseñadores, tatuadores y oficinas de prestigio con trabajos de gran escala.

El Área de trabajo activo de la tablet

A veces puede engañar una tableta gráfica con gran tamaño. Y es que a simple vista puede gustarnos su aspecto pero cuando desembalamos y ajustamos a nuestro ordenador, nos damos cuenta que algo no es tan bonito como parecía. Y antes de ello, vamos a ver su tamaño real de trabajo. Unas por los botones, otras quizás, por la calidad del hardware, limitan el tamaño de su área. Para comprobar unas y otras, antes podemos fijarnos en las especificaciones.

El área de trabajo útil no es igual al tamaño real de la tableta gráfica. Solo podremos dibujar en la zona indicada. Para saber la zona que tenemos de dibujo podemos observar unas líneas (continuas o discontinuas) que cierran el área.

Área activa

• Small: 152 x 95 mm
• Medium: 216 x 135 mm

Estas medidas son las que vamos a comparar unas con otras. Sobretodo habrá que fijarse bien en Área activa.

Nivel de presión

Cuanta más alta sea la sensibilidad de la presión, mejor podrás controlar el grosor de las líneas que dibujas según lo fuerte que presiones el lápiz sobre la superficie de la tableta. Este punto es importante porque necesitarás saber cuántos puntos de presión tiene cada tableta gráfica.

Las tabletas gráficas más recomendadas tienen, normalmente, 2048 niveles de presión. Este número será óptimo en su utilización, aunque en algunos modelos ofrecen más niveles de presión, estos no te darán una gran diferencia. Puesto que si encuentras algún modelo con más niveles, no decantes tu balanza por ellos.

Botones

Los botones no son más que un atajo para dar más velocidad a nuestro trabajo. Realmente son muy útiles pero no todas lo tienen. Como anteriormente hemos dicho dependiendo del trabajo los vas a necesitar o serán un lujo del que puedes prescindir. Todo depende del uso que le des. Pero aunque nuestro trabajo y presupuesto sea limitado, debemos considerar incluir siempre botones.

Imagina tu trabajo, donde deberás recortar ciertas partes, pegar en otras, a veces sin perder de vista la pantalla. En este caso, tocar la combinación ‘Control + C’ u otro tipo de combinaciones más complejas, extrañarás los botones esos que deberías tener. Esta característica creo que es importante en ahorro de tiempo y posibles equívocos.

Resolución

Esta caracteristica es la capacidad de trazos que puedes ejecutar por pulgadas. Es decir, si puedes dibujar 10 líneas por pulgadas, la resolución será más amplia que si fuesen 5. La mayoría de tabletas gráficas pequeñas presentan una resolución de 2.540 lpi, mientras que las mejores tabletas gráficas alcanzan el doble: 5.080 lpi. Ambas son más que suficientes para llegar a cotas de detalle profesional.

Fluidez

En este apartado vendrá bien comprobar la velocidad a través de video-reviews. Puesto que por muchas características y números que te den, si no lo ves, no sabrás con exactitud si es cierto. Los videos enseñarán el manejo del pincel en tiempo real y veremos como se comporta. Esto no es más que la capacidad de enviar datos al ordenador. Lo que es lo mismo, mientras tú dibujas en la tableta gráfica lo rápido que se va a visualizar el trabajo en la pantalla. Lo natural sería que fuese instantáneo pero a veces no es así.

Otras características

Los pequeños detalles también marcan la diferencia aunque a veces no lo queramos. La ergonomía de la tableta y el lápiz. Cuando eres zurdo, créeme que esto es importante. Esta característica viene reflejada en las especificaciones de la tableta, solo da la vuelta a la tableta.

También la inclusión de un guante de dos dedos para no entorpecer la marcha de trabajo mientras dibujamos. Este complemento suele venir en productos de más alta gama pero también podremos comprarlo por nuestra cuenta. La conexión Bluetooth o por cable. Y también, si el lápiz óptico lleva pilas.

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Angela Wright revolucionó la teoría del color mediante la identificación de vínculos entre los patrones de color y los patrones del comportamiento humano. Ella descubrió que todos los colores se pueden clasificar en cuatro grupos de tono. Luego desarrolló el sistema Colour Affects que identifica el vínculo entre cuatro tonos de color y cuatro tipos de personalidad. Si se aprovechan correctamente, los diseñadores pueden usar el Sistema de Colour affects para controlar el mensaje de sus paleta de colores.

Como funciona la psicología del color

El color es la luz, que viaja hacia nosotros en ondas del sol, en el mismo espectro electromagnético que las ondas de radio y televisión, microondas, rayos X, etc. La luz es la única parte del espectro que podemos ver, lo que tal vez explique por qué lo tomamos con menos seriedad que el poder invisible de los otros rayos. Isaac Newton demostró que la luz viaja en ondas, cuando brilló la luz blanca a través de un prisma triangular y, cuando las diferentes longitudes de onda de la luz se refractaban en diferentes ángulos, pudo demostrar que los colores del arco iris (el espectro) son el componente partes de la luz.

Cuando la luz golpea cualquier objeto de color, el objeto absorberá solo las longitudes de onda que coincidan exactamente con su propia estructura atómica y reflejará el resto, que es lo que vemos. El color es energía y el hecho de que tiene un efecto físico sobre nosotros se ha demostrado una y otra vez en experimentos, sobre todo cuando a las personas ciegas se les pidió que identificaran los colores con la punta de los dedos y todos pudieron hacerlo fácilmente.

Cuanto más corta es la longitud de onda, más fuerte es el efecto físico subyacente.

El factor clave que Angela Wright reconoció al estudiar la psicología del color fue que, igualmente, no hay colores equivocados; Es la combinación de colores lo que desencadena la respuesta; podría tener un cielo gris en un día de verano, pero nuestra reacción a ese gris con los hermosos colores del paisaje de verano sería diferente de la combinación de un cielo gris con una escena predominantemente blanca como la nieve.

Grupo de color 1

Los colores del grupo 1 son claros, delicados y cálidos, y contienen amarillo, pero no negro. Los ejemplos incluyen crema suave, turquesa y cobalto. “Son vivos, nítidos, frescos, limpios y juveniles; todo sobre nuevos comienzos”, dice Wright.

Las personalidades que reflejan estos colores son “motivadas externamente y eternamente juveniles”. Luz en sus pies, a estas personas les encanta bailar y son inteligentes, pero no les gusta estar empantanadas con el debate académico.

Segundo grupo de color

Los colores del Grupo 2 son fríos (contienen azul), de rango medio (la mayoría contienen gris) y delicados, pero no necesariamente livianos, por ejemplo, frambuesa, granate o verde salvia. Las características incluyen elegancia discreta e intemporalidad.

“Las personalidades son geniales, tranquilas y compuestas”, dice Wright. “Están motivados internamente, pero son muy sensibles a cómo se sienten los demás. No quieren estar a la vanguardia de nada, pero serán el poder detrás del lanzamiento.

Grupo 3

Los colores del grupo 3 son más cálidos que el grupo 1 (contienen más tonos de base amarilla), son intensos y ardientes, y contienen negro. Los ejemplos incluyen verde oliva, naranja quemada y berenjena.

Amistosos, tradicionales y confiables, estos tonos son populares en la marca y el trabajo para empresas bien establecidas. Sin embargo, pueden transmitir un carácter autoritario o parecer anticuados si se utilizan de forma incorrecta.

Personalidad del grupo 4

Los colores del grupo 4 contienen azul. Son puros y muy ligeros, muy oscuros o muy intensos. Contiene negro, blanco, magenta, limón e índigo, las características de este grupo incluyen la eficiencia, la sofisticación y la excelencia, pero mal utilizados, los colores pueden verse como antipáticos, materialistas y caros.

En la práctica, la psicología del color funciona en dos niveles: el primer nivel son las propiedades psicológicas fundamentales de los once colores básicos, que son universales, independientemente de qué color, tonalidad o tonalidad particular utilices. Cada uno de ellos tiene efectos psicológicos potencialmente positivos o negativos y cuál de estos efectos se crea depende de los tipos de personalidad.

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El diseño llevado a cabo puede dejarnos una gran satisfacción profesional y personal, sobre todo cuando el cliente es abierto a nuestras ideas y confía en nuestra propuesta. Sin embargo, no suele ser así en todos los casos y puede llegar a ser frustrante si lo permitimos.

Por regla, el cliente tiene la necesidad de comunicarse a su público, nuestra tarea es hacer que el mensaje llegue y cumpla su función. Parte de nuestro trabajo va más allá de encerrarnos en nuestra burbuja creativa y dejarla fluir en el ordenador, primero, debemos saber que debemos lograr y para ello debemos realizar un insight.

¿De qué va esto del insight? Es conocer al cliente, sus gustos, lo que no le apetece o detesta, cuánto está dispuesto a pagar y el tiempo de entrega. Es la parte que menos gracia nos da, ya que nos aparta del idilio de diseñar, pues la realidad es otra, diseñamos para otros y no para nosotros. Por ello, enunciaré algunas recomendaciones para que esta relación cliente/diseñador sea productiva y no una pesadilla.

Conoce a tu cliente

Luego del contacto, es preciso que realicemos esto del insight, que no es más que preguntarle al cliente sus expectativas del proyecto. De trabajos y experiencias con otros diseñadores, afinidad con colores, formas, tipografías. Ahora bien, suele suceder que el cliente tenga lineamientos bastante definidos o no sepa que quiere o te diga simplemente “no tengo ni idea, para eso eres el diseñador”. Allí es cuando podemos analizar juntos lo que él y su competencia hacen. Esta primera impresión es importante, ya que muestra un perfil más profesional de nuestra parte y ganaremos confianza de nuestro cliente.

Los límites

Toda relación se basa en negociar, y ésta no es la excepción. Para ello se debe definir valor del trabajo, fecha de pago, cantidad de ajustes y tiempo de entrega. Recomiendo inmensamente dejar por escrito las condiciones, lo que va por nuestra parte y lo que no del proyecto. Suele darnos vergüenza cobrar por adelantado y hablar de dinero por los ajustes extras. Hacedlo, os ahorrará dolores de cabeza a futuro.

No me gusta

Si, suele pasar. Te esforzaste el fin de semana, dejaste de disfrutar con los amigos y el lunes el balde de agua fría: al cliente no le gustó la propuesta. No pasa nada, retoma el proceso insight y canaliza. Es una oportunidad para pensar fuera de la caja.

La opinión de terceros

¡Vaya, no has atinado a la segunda! Esta fase es señal de que la comunicación no está siendo efectiva. Acá es cuando uso la herramienta “La opinión de terceros”. Haz una encuesta con personas relativas a tu cliente. Podrías llevarte nuevas perspectivas del diseño de quienes menos te imaginas.

El cliente tiene la razón

Sabemos que esto no siempre es cierto. Si el cliente elige un diseño a su gusto y forma, y que no es lo mejor para él, es profesional de nuestra parte ser honestos en decirle “La propuesta “A” es la que os sugiero como diseñador, si vosotros decidís por la opción “B”, adelante”. No discutáis con el cliente cuando está reacio a otra idea que no sea la de él. En lo personal, con no colocarlo en mi portafolio basta.

Disfrutad del proceso creativo y de sus matices, a final de cuentas, los clientes difíciles nos dejan una lección: A ceder nuestro ego, saber escuchar y tener presente que nuestra labor es satisfacer las expectativas del cliente, no las nuestras.

Imagen – Antonio Moubayed

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Este año se celebra la segunda edición de Madrid Gráfica, que dentro de sus 14 exposiciones, destaca Ciudad Persona.

En 2017, se presentaron 524 carteles de 61 países diferentes, y la Asociación de Diseñadores de Madrid (DIMAD) y el Ayuntamiento de Madrid, con el apoyo del Foro de Empresas por Madrid, convocan  nuevamente a todos los diseñadores gráficos a participar en la gran exposición de carteles, que este año tiene como lema: Ciudad Persona.

Para participar se debe enviar una única propuesta, éstas se recibirán hasta el día 15 de agosto de 2018. Serán evaluados por un comité internacional de selección profesional, que elegirá los 100 más destacados y serán mostrados en la Central de Diseño (Matadero), la Plaza de Oriente y la Plaza Juan Goytisolo (Museo Reina Sofía). Además, todas las propuestas serán expuestas en La Nave (Villaverde).

Ciudad Persona

Es reivindicar la ciudad como un espacio de todos y para todos. Un lugar donde reina la convivencia, propicio para la significación de los valores humanos, factor esencial para la organización social. Ciudad Persona habla de nuestras ciudades como espacio generoso y solidario, que alberga y que comparte. Un espacio saludable, que facilita las condiciones de vida, que cuida a las personas con capacidades diferentes y que acoge a todos.

Ciudad Persona dibuja la ciudad como un espacio público respetuoso y tolerante. Sensible y capaz de comprender las necesidades de sus ciudadanos y de facilitar su resolución.

Algunas propuestas de la convocatoria 2018 (orden aleatorio)

La programación de actividades de Madrid Gráfica tendrá como objetivo señalar a Madrid como una ciudad referente para la gráfica, un lenguaje esencial para expresar la realidad y servir como ejemplo de la función del diseño como actividad comprometida con el entorno.

Si deseas darte de alta para la convocatoria, visita la página web oficial de la convocatoria: http://madridgrafica.org/

Fuente – Madrid Gráfica

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La jerarquía es el orden que adoptan las diferentes secciones. La jerarquía visual dentro del diseño determina la recepción y el impulso del mensaje. Tener en cuenta este concepto es clave para crear una imagen visual efectiva. Uno de los aspectos dentro de la jerarquía visual que hay que conocer y saber sacarle provecho es la jerarquía tipográfica.

Las palabras más importantes muestran un mayor impacto, por lo que los usuarios pueden obtener la información clave con mayor claridad.

Esta jerarquía crea contraste entre los elementos. Para conseguir este contraste, hay que tener en cuenta las diferentes herramientas con las que se puede trabajar una tipografía:

• Fuentes
• Cuerpo
• Mayúsculas y minúsculas
• Grosor y estilos
• Orientación
• Color
• Ubicación

Si dominas estos diferentes elementos, conseguirás perfeccionar tu composición tipográfica y construir un mensaje claro, directo y efectivo:

Combina tipografías originales con otras más básicas

El usuario está acostumbrado a encontrarse con tipografías convencionales. Ya sea con serifa o sin serifa, suelen ser fuentes legibles y  populares. Si se utilizan tipografías que huyan de estas categorías, como puede ser una manuscrita o caligráfica, crearán un impulso visual mayor al espectador.

Cuanto más importante sea la información, mayor será el cuerpo

El tamaño de la letra indicará el grado de importancia. Las letras o palabras de mayor tamaño, llamarán más la atención por lo que tendrán mayor grado de importancia. Utilizar un cuerpo pequeño para aquella información menos importante es un recurso muy común.

Las mayúsculas llaman más la atención que las minúsculas

La utilización de mayúsculas y minúsculas es algo básico, por lo que es innegable que aquellas letras o palabras que estén escritas en mayúsculas, crearán más impacto visual que aquellas que se encuentran en minúsculas.

Combina estilos y crea contraste de trazos

Crear contrastes a través del grosor de las letras es otra manera de generar una jerarquía visual. Las letras que tengan un trazo más grueso serán más llamativas. La mayoría de las fuentes poseen varios estilos. Según el estilo que se utilice, creará un impacto mayor o menor. Las letras escritas en bold o negrita suelen llamar más la atención. Por otro lado, la letra cursiva o italic suele utilizarse para puntualizar algún tipo de información.

Las palabras en vertical y diagonal son más llamativas

Colocar letras o palabras en otra orientación que no sea la horizontal es una manera de posicionarlas arriba de la jerarquía tipográfica. El ojo del usuario no está acostumbrado a encontrarse letras o palabras en otra orientación que no sea la horizontal, por lo que si hay palabras o textos en vertical o diagonal, estas serán las protagonistas.

Toques de color vs homogeneidad cromática

Imagina que toda la gráfica visual es en blanco y negro y solamente una palabra es a color. Irremediablemente será lo primero que vean los usuarios. Este recurso es muy amplio y pueden crearse gráficas muy impactantes.

La parte superior de la composición es lo que más llama la atención

La situación natural del texto, de arriba a abajo, es una manera clara de crear una jerarquía simple y efectiva. Las letras o palabras que se encuentren en la parte superior, serán las primeras a las que el usuario preste atención.

Veamos algunos ejemplos reales:

En estos diferentes carteles podemos apreciar los diferentes niveles en los que se encuentra la información (titular, fecha y lugar del evento y por último información relevante). Aquí han utilizado las herramientas más claras y concisas -tamaño, grosor y estilo.

Estas herramientas son indispensables a la hora de conseguir un mensaje gráfico impactante.

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El logo de Pepsi, al igual que el de Evernote recién actualizado ayer mismo, sigue bien anclado a su herencia con esos tres colores predominantes. En una nueva publicidad relacionada con los deportes, Pepsi usa de forma genial el espacio negativo.

Y no estamos hablando de una bebida que sea la indicada para realizar deporte, sobre todo por su excesivo contenido en azúcar, así que nos quedamos más bien con su gran toque para el diseño de una serie de carteles que toman a los tres colores de Pepsi como la nota predominante.

El resto de notas son las figuras de distintos atletas en sus propias disciplinas para mostrar a un submarinista entrando en los confines del océano con una forma bien elegante de representarlo, o ese azul que forma la base para un regatista.

Diversas opciones para representar la propia marca de Pepsi en la que no faltan su propio logo para que nadie se olvide de su refrescante, aunque calórica, bebida. Tenemos a un esquiador demostrando sus habilidades sobre el azul, al igual que un surfero tomando una ola (si estamos en lo cierto).

Otro de los geniales diseños es usar el blanco para la forma del paracaídas y al paracaidista en el mismo color para así mostrar un deporte de riesgo. Una serie de anuncios de gran elegancia y creatividad en la que seguramente Pepsi ha desembolsado una buena cantidad de dinero.

Como venimos diciendo, la creatividad se paga, ya que es capaz de abrir nuevos horizontes y mostrar otras perspectivas de marcas a las que solemos estar muy acostumbrados y a las que se nos hace difícil que nos sorprendan. Aquí lo ha conseguido bien Pepsi, lo mismo sucedió con el nuevo logo de Fanta, aunque sin olvidarse de ninguno de sus orígenes en el diseño.

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Los mashups además de ser una técnica usada en la música basada en mezclar dos o más canciones. Cuando es utilizada en la gráfica, se obtienen resultados geniales bajo el mismo principio: combinar elementos o fuentes de información, que podrían no tener nada en común, y así darle vida a una idea que viene del mundo imaginativo del creativo.

Les Créatonautes es una agencia de publicidad ubicada en Estrasburgo, Francia. Su especialidad es transformar objetos cotidianos en composiciones surrealistas, y a través de su cuenta en Instagram, nos muestran animales fantásticos, objetos inusuales, y un sin fin de transformaciones con un acabado impecable.

La idea del proyecto en Instagram

Estos mashups de la agencia son un proyecto paralelo a sus trabajos. Son imágenes bien hechas, que pueden tener un concepto de trasfondo o rayar en lo absurdo, son divertidos y resaltan dos aspectos importantes en una agencia creativa: su imaginación y habilidades técnicas. Te invito a descubrir algunas de sus creaciones:

Animales fantásticos

La naturaleza es la fuente más ilimitada para inspirarse, y los animales son los protagonistas en estos ejemplos.

Un escarabajo “enamorado”.

Una rana tan agridulce que da grima.

Esta tortuga tiene el caparazón perfecto para colarse en el tocado de Carmen Miranda.

Dicen que eres lo que comes, acá un claro ejemplo de ello.

Que tal quedaría el Black iSwan ¿Interesante, no? 

Este concepto es uno de mis favoritos. Las abejas están gravemente amenazadas por los efectos combinados del cambio climático, la agricultura intensiva, los plaguicidas, la pérdida de biodiversidad y la contaminación. Sin ellas, desaparecería el café, las manzanas, el maíz, tomates y el cacao, por citar tan solo algunos de los cultivos que dependen de su polinización. Seamos conscientes de su conservación.

Objetos no tan cotidianos

Nuestro día a día está inmensamente cargado de objetos, de nuestra época y de anteriores. Todo un abanico de posibilidades para realizar mashups.

Esta granada bien podría ser una metáfora sobre el juego macabro de los terroristas o visto como una explosión de diversión en verano.

Esto es sin duda lo que desearíamos poder traer a casa luego de varios días en el paraíso.

Vaya fósil de 1983 que se han encontrado.

Seguramente dulce.

Prisioneros en el amor.

Chupa Chups bajo en calorías.

Con este monedero, ahorrar es cosa fácil.

Huevos veganos.

¡Necesito cafeína!

Si deseas ver más de sus fantásticas imágenes, visita su cuenta de Instagram.

Imágenes – Les Créatonautes

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The Cake Maker

Wabi-Sabi es una tendencia japonesa cuyo origen proviene de las ceremonias del té. Esta corriente, no solo estética si no también filosófica, habla de la observación de la naturaleza, de la aceptación de la imperfección y de la apreciación de la belleza en las cosas feas. Leonard Koren en su libro “Wabi-Sabi para Artistas, Diseñadores, Poetas y Filósofos” habla sobre esta estética japonesa como una manera de abordar la vida y el entorno que nos rodea.

“Wabi-Sabi es la belleza de las cosas imperfectas, impermanentes e incompletas.

Es la belleza de las cosas modestas y humildes.

Es la belleza de las cosas no convencionales.”

En origen, “Wabi” y “Sabi” tenían significados diferentes. “Sabi” significaba “frío” o “marchito”, mientras que “Wabi” significaba la desdicha de vivir solo en la naturaleza. A partir del siglo XIV, estos significados evolucionó hacia valores más positivos. Hoy en día se han difuminado tanto estos conceptos que resulta complicado mencionar uno sin referirse al otro. Podemos hablar de “Wabi” y referirnos a la simplicidad rústica de aquellos objetos creados por el hombre en el mundo natural, así como hablar se “Sabi” haciendo referencia a la belleza de aquello que está pereciendo.

Estos valores de imperfección y fugacidad tienen profundas raíces en el budismo y la sociedad japonesa. Sin embargo, estos valores se pueden percibir en el arte y la cultura occidentales.

¿Qué valores defiende esta corriente estética y filosófica?

Actualmente Wabi-Sabi defiende la observación de la naturaleza como la búsqueda de la verdad. De esta observación derivan tres lecciones: Nada es permanente, todo es imperfecto y todo está incompleto.

Teniendo claro estos conceptos, elementos como las piezas artesanales, grietas en la cerámica, materiales como el lino o la lana, pueden definir perfectamente esta tendencia estética y filosófica. Wabi-Sabi es la belleza de las cosas marchitas, desgastadas, empañadas, cicatrizadas, evanescentes, efímeras.

Wabi-Sabi y diseño gráfico

El diseño inspirado en el Wabi-Sabi es un diseño visceral, donde la textura y el desgaste es el protagonista.  De esta manera, valora lo imperfecto y lo incompleto. Un diseño simple, funcional y austero es un diseño que se acerca al pensamiento Wabi-Sabi. Pensar que todo tiene un proceso y las cosas cambian deriva a la perspectiva de que no es imperativo crear un diseño perfecto: ¿si nada dura para siempre, por qué perseguir la perfección? Al pensar en el diseño como algo temporal, es fácil llegar a crear un diseño simple y funcional. Se trata de celebrar la imperfección.

Diseño de Toby Ng Design

¿Cuáles son las elementos que acompañan a este tipo de diseño?

• Acabados rugosos
• Simplicidad y minimalismo
• Asimetría
• Desequilibrio
• Colores planos y neutros
• Texturas
• Desgastes y roturas
• Influencias orgánicas
• Desarmonía

Wabi-sabi comenzó como una filosofía basada en los valores budistas de soledad, fugacidad y sufrimiento. Esto fue derivando a una visión simple, austera, ruda e imperfecta. A partir de estos elementos, se creó un movimiento de diseño que cada vez está más en tendencia, aunque a Occidente acaba de llegar.

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Las grandes victorias pueden venir en pequeños empaques, y no importa dónde miremos, siempre encontraremos nuevas pruebas de que las personas están adoptando la compasión por los animales como nunca antes.

Después de 116 años de cautiverio, las galletas de animales Barnum han sido liberadas de sus jaulas.

Éstas galletas se han vendido en cajas que tienen un diseño que muestra animales enjaulados en un vagón de circo. Por esta razón, la organización Personas por el Trato Ético de los Animales (PETA), le sugirió a Mondelez International, la empresa matriz de Nabisco, retirar las jaulas del diseño. La marca consideró el rediseño del empaque, ahora mostrarán animales libres en la naturaleza en lugar de estar cautivos en jaulas para el entretenimiento humano.

El nuevo empaque de Barnum’s Animals refleja perfectamente que nuestra sociedad ya no tolera enjaular y encadenar animales exóticos para espectáculos de circo. Muestran a una cebra, un elefante, un león, una jirafa y un gorila caminando uno al lado del otro en un hábitat natural, y de fondo, una extensa sabana con árboles en la distancia. PETA celebra este rediseño conjuntamente con el cierre de los circos Ringling Bros. y Barnum & Bailey Circus, y el fin del uso de animales salvajes en muchos otros circos.

La compasión como tendencia en los valores

Es inhumano que estos seres vivientes y sensibles sigan siendo arrancados de sus familias y sean sometidos a palizas, aislamiento y negligencia. Los animales maltratados en los circos dejarán de ser tratados como juguetes inanimados sin emoción, siempre y cuando las personas no paguen por la admisión a estas representaciones.

El mundo está cambiando, y los valores se están replanteando. Es gratificante que el diseño sea parte vital en la comunicación de los cambios positivos en la sociedad. La gente en su mayoría no acepta la violencia hacia a los animales por entretenimiento. Y nosotros como creativos, diseñadores, ilustradores y publicistas tenemos un gran trabajo por delante con esta causa.

Fuente  – PETA y The New York Times

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La verdad que se agradece que lleguen propuestas como Picular, el que se podría denominar como el buscador de los colores a lo “Google”. Y es que simplemente es así, todo un buscador de colores que nos permitirá descubrir cosas bien sorprendentes sobre algunas marcas o cualquier cosa que se nos pase por la cabeza.

De primeras, desde el campo que nos permite introducir una palabra para ver el color asociado a la misma, se nos ocurre poner marcas reconocidas por todos como puede ser Coca Cola. Lógicamente el color que aparecerá será el rojo. Pero no queda solamente aquí Picular, sino que tiene mucho más.

Por ejemplo, si buscamos “Madrid”, obtendremos distintos resultados con los colores que predominan de las fotos que aparecerán al pulsar sobre el icono de fotografía. Aparte de ese icono, tendremos el código de color para que podamos pasarlo directamente al portapapeles y así usarlo en otro programa de diseño.

También podemos buscar la palabra “VISA”, para que nos aparezcan los distintos colores que reconocemos de esa marca. Con “Coca cola” aparecerán una serie de tonos en rojo que nos permitirán elegir directamente para usarlos en nuestros trabajos.

Lo mismo podemos usar en otras palabras como plátano, kiwi o corazón para que aparezcan sus colores lógicos. Todo dependerá de nuestra imaginación para encontrar esos colores. Aunque es recomendable que usemos el inglés para encontrar mejores resultados.

Picular es una sencilla y fantástica plataforma para buscar nuevos colores o simplemente nos sirva de inspiración para jugar un poco con las palabras. La idea es en si es genial y como hemos dicho al principio, se agradece que se lancen propuestas distintas y usen esos colores para crear una especie de “google”, aunque con otros resultados. Ahora os animamos a que probéis vuestro propio nombre para encontrar cual es vuestro color.

Os dejamos con este juego de color.

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El mundo del packaging es amplio y complejo, se pueden utilizar varias técnicas, desde la ilustración, hasta la estampación o la fotografía.

El packaging tiene un papel importante dentro del diseño de una marca, es el encargado de convencer al usuario para comprar el producto. Debe de llamar la atención y debe de convencer al consumidor. Es el primer contacto que tiene la persona con la marca, por lo que el packaging debe de transmitir toda la filosofía y los valores de la empresa.

A continuación, os presentamos 5 diseños de packaging manuales-artesanales que no dejan indiferente.

Fish Club Wine

Diseñado por Stepan Avanesyan, Stepan Azaryan, Christina Khlushyan y Eliza Malkhasyan

Fish Club se trata de un restaurante especializado en productos del mar. El envase fue diseñado para el vino de la casa, que se ofrece como regalo especial. El diseño está ideado para aquellos que son amantes de los peces, por lo que el diseño central es las escamas de los peces. El envase presenta representaciones estilizadas de una silueta de pez con hermosos patrones.

Triticum

Diseñado por Lo Siento

Lo Siento desarrolló el packaging de Triticum, un horno fundado por Xavi Ramon. Utilizan el cartón como embalaje y el logo como perforaciones a modo de amplificador del olor. Además, el logo de la marca se encuentra trabajada con tampones de goma. Un diseño simple y de estilo industrial que potencia el valor artesanal de la marca.

Mamoor

Diseñado por Varduhi Antonyan, Narine Avanesyan, Varduhi Antonyan y Narine Avanesyan

Mamoor es la marca de un restaurante. Su nombre significa “musgo”. Una planta verde suave que crece en una capa sobre suelo mojado, rocas o árboles, se asocia con los bosques y transmite la energía especial típica de un bosque. Este es el concepto que ha utilizado el equipo para diseñar toda la identidad de la marca. El Art Noveau es el estilo que ha servido de inspiración para toda la creación, así como los elementos procedentes de un bosque salvaje y misterioso.

Puree Organics

Diseñado por Studioahamed

La marca Marie & Claude La Ponte tienen el producto Puree, un huerto medicinal ecológico  donde los alimentos son producidos por la vecindad. Querían centrarse en el producto que ellos producen, así como reflejar la atención y el cuidado que dedican al cultivo. Con este diseño el Studiohamed quería diferenciar Puree de las demás tiendas orgánicas. De este modo, creó un diseño basado en la simplicidad a través de ilustraciones y materiales vegetales.

XL Ratafia

Diseñado por La Fonda Gráfica

La etiqueta de esta botella de licor está cosida con hilo y completada con un listado de las combinaciones de las hierbas con su nombre en latín. Tanto el diseño de la etiqueta como las proporciones de la botella hacen referencia a su naming, que deriva de la nomenclatura de extra largo.

La entrada Packaging. Diseños originales que te sorprenderán se publicó primero en Creativos Online.

Gracias a internet, existen un sin fin de webs y herramientas que facilitan el trabajo al diseñador. Conocer y tener a disposición varios recursos que te ayuden a ser más productivo y más eficiente es importante.

A continuación, te presento algunas herramientas gratuitas que te serán muy útiles para tus próximos diseños. 

Paletas de Color

ColourCode

Colourcode es una herramienta muy útil  y entretenida. Con múltiples opciones, el usuario puede ir buscando la combinación de colores que más le interese. Es ideal para aquellos días que uno está falto de inspiración. Además, la web permite descargar la paleta, así como el código .sass, .less, .styl y .css.

Palettr

Esta herramienta es muy útil si lo que interesa es conseguir la paleta ideal para un cierto tema. Solo hay que introducir el concepto y la herramienta te genera una cantidad de imágenes con su respectiva paleta. Una opción ideal si lo que uno quiere es encontrar la inspiración.

Coolors

Una herramienta con un funcionamiento parecido a Colourcode. En un inicio genera una paleta automáticamente. A partir de ahí, el usuario puede ir alterando cada una de las propuestas hasta conseguir lo que está buscando. Ofrece múltiples opciones para poder conseguir la paleta perfecta.

ColorHexa

Esta quizás es la herramienta más compleja de las cuatro. No sólo es un generador de color, si no que también ofrece una cantidad de información acerca del color que a uno le interesa. Esquemas de color, conversiones, combinaciones… sin duda una de las herramientas más interesantes.

Banco de Imágenes e iconografía

Unsplash

Unsplash es un banco de imágenes donde se pueden encontrar fotografías profesionales y de gran calidad. Aunque es puramente gratuito, es una comunidad donde los fotógrafos suben su trabajo para que los usuarios pueden hacer uso de ellas.

Pixabay

Otro banco de imágenes totalmente gratuito. Aquí encontramos fotografías gratuitas de alta calidad. Ofrece una gran variedad de filtros para que el usuario encuentre justamente lo que necesita.

Freepick

Freepik es una web de contenidos para diseñadores muy útil y práctico. Aquí se encuentran tanto imágenes como vectores. Permite descargar los archivos en varios formatos aptos para ser adaptados o modificados. Es una de las webs más visitadas y ofrece contenidos exclusivos y de gran calidad. Sin duda una de las herramientas más útiles para un diseñador gráfico.

Blugraphic

Una herramienta parecida a Freepik. Es una web donde los diseñadores tienen a su disposición fuentes, vectores, paleta de colores, archivos PSD y mucho más.

Es intuitivo de utilizar; una vez el usuario ha encontrado lo que desea, debe de introducir su correo electrónico para recibir la descarga. Práctico y gratuito.

La entrada Herramientas útiles para un diseñador gráfico se publicó primero en Creativos Online.

FuturePunk, es un diseñador que le ha dado un toque ochentoso a los logos más reconocidos de internet. El ojo de éste creativo le ha dado una estética de antaño a compañías como Google, Instagram y YouTube.

Los rediseños cuentan con elementos que los lectores de cierta edad seguramente reconocerán. Están los gráficos en forma de bloques y pintados con spray que recuerdan el logotipo de MTV, además de muchos colores vibrantes con acabados desteñidos. Todo el proyecto parece que fue grabado en una cinta VHS, y eso es gran parte del encanto.

Los logotipos se publicaron en la comunidad Outrun de la red social Reddit, un foro dedicado a la escena de la música synthwave, y como era de esperar, encontraron una audiencia apasionada de fanáticos de los 80. Te invito a realizar un viaje a un pasado alternativo, desplazándose a través de los logos abajo mostrados. Para complementar este viaje, te recomendamos escuchar algunos temas de Kavinsky para obtener la mejor experiencia al estilo Outrun.

Facebook

El azul es cosa del futuro. El violeta y el turquesa son colores característicos de los años ochenta.

Twitter

El pajarito de Twitter solía ser un flamingo rosa, fresco y tropical. ¿A que mola este diseño para una camiseta?

Soundcloud

Sintetizadores por doquier, un lugar dónde el impuesto regueton no existía. ¡Que tiempos aquellos!

Reddit

El aerógrafo en su momento una técnica de dibujo bastante reconocida, que constaba de una pistola que esparcía pintura presurizada gracias a un compresor de aire. Una herramienta con la que trabajar era super divertido. El efecto en la tipografía simulando el reflejo de un paisaje desértico con cielo azul, un clásico de la época.

Netflix

MTV era el canal de televisión favorito de los adolescentes y adultos contemporáneos de los ochentas y entrados los dos mil. Su logo al principio era una enorme M con efecto 3D y las letras TV a un lado, debajo su famoso slogan “Music Television”. Un logo nada prolijo, al contrario, era bastante informal y ésto hizo que aún sea uno de los logos más populares. 

Instagram

Como si de una superficie de cartón se tratara, el logo de Instagram con su logo remasterizado. 

Google

El logo de esta gran compañía siempre se ha caracterizado por ser multicolor. Con una tipografía retro bajo el efecto glitch, es fácil de creer que este logo era el oficial en los ochentas.

Compras retro

Compras en Ebay y Amazon a precios de antes, vaya que sería una maravilla.

YouTube

Esta genial propuesta es como si de una cinta de VHS se tratara, impecable.

Fuente – Reddit

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Affinity Publisher ya está disponible para que aquellos que dependan de InDesign de Adobe, se piensen de verdad si merece la pena pagar la cuota mensual que están abonando para disfrutar de sus características.

Y es que estamos ante un competidor real de InDesign y otra app que se convierte en la mejor forma de tener programas profesionales para nuestro día a día. Seguramente que hay algunos diseñadores que necesitarán todas las funciones de InDesign, pero es que Publisher tiene una gran pinta desde la primera versión.

No solamente hablamos de Publisher, sino que Affinity tiene a Photo y Designer como otros dos programas de gran calidad para sustituir a Photoshop e Illustrator de Adobe. Dos programas únicos disponibles mediante un único pago de 54,99 euros en el caso de Affinity Photo.

Necesitaréis un poco más de 1GB de espacio de almacenamiento y la beta gratuita de Affinity Publisher está disponible tanto para Mac como para Windows. También hay que decir que estamos ante la primera versión, así que, supuestamente, podemos encontrar bugs que tendremos que reportar para que puedan limarlo y dejarlo listo para el lanzamiento.

Affinity también ha dispuesto una serie de tutoriales desde su web para introducir los mecanismos y flujos de trabajo de Publisher. De esta manera podremos habituarnos rápidamente a realizar todo tipo de trabajos con un programa que viene para ser una alternativa real a InDesign.

Vídeos como añadir texto simple, ubicar imágenes, enlazar imágenes, estilos de los textos, marcos de textos enlazados, wrapping de texto y muchos más que animamos a visionéis para así haceros rápidos con Publisher. Son vídeos cortos, así que en cuestión de minutos estaréis listo para sacar todo el provecho a este gran programa.

Una gran alegría para multitud de diseñadores la llegada de Publisher de Affinity, que así pueden abaratar costes desde programas que permiten acceder a todas sus características por un pago único.

Puedes descargar la beta pública desde aquí.

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Muse es un grupo de música rock bien reconocido y que ha dado un giro hacia los 80 en su nuevo álbum de música. Para ello se ha llevado a un artista que se ha caracterizado por su diseño retro y que seguramente conocéis de una popular serie de televisión.

El nuevo álbum de Muse se llama Simulation Theory y quiere estar en lo actual por lo que respecta al diseño. Al menos, en la vuelta a ciertas tendencias que fueron populares allá por los años 80 en los que reinaban Los Goonies, Polaroid y otras marcas relacionadas con esa década.

La banda de rock ha contratado al mismo diseñador del logotipo de Stranger Things, para ir a la par con esos 80, que también hemos visto reflejado hace un par de días en marcas actuales como son Apple, Microsoft y más.

La carátula de Simulation Theory se ha ido directa a los colores rojo, en su amplitud de tonalidades, y un azul, que se fusiona perfectamente con distintos tonos. Un cover que también trae ese recuerdo a Blade Runner, aunque más tirando a la nueva edición, un poco difusa si la comparamos a la obra consagrada de la ciencia ficción.

No falta ese toque neón tan característica, echamos un recuerdo a a la genial recreativa Out Run, y una tipografía a la par con esa tipografía a lo GTA Vice City en rosa. Toda una oda a esa década, hortera para muchos, pero que sigue inspirando a momentos creativo de todas las categorías creativas actuales.

Es Kyle Lambert el diseñador que se ha encargado de este trabajo, al igual que lo hizo con Stranger Things, esa serie de tv que ha recuperado la esencia de esa década de pelis como Los Goonies, Regreso al Futuro y otras tantas más que se mantienen en la memoria de muchos.

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¿Quieres aprender a crear y editar máscaras de recorte? A continuación, te explicamos en pocos pasos cómo hacerlo.

¿Qué es una máscara de recorte? Una máscara de recorte es un trazado vectorial que permite enmascarar una elemento (un trazado o una imagen), de manera que este elemento adquiere la forma de la máscara ocultando todo lo que hay fuera del trazado. Es una herramienta muy práctica y ofrece unos resultados muy interesantes.

Existen múltiples maneras de crear máscaras de recorte. Conocer todos los secretos de Adobe Illustrator es una tarea ardua y complicada. En este sencillo tutorial, te explicaremos una forma de crear máscaras de recorte con textos como base.

Elige el elemento que quieres enmmascarar

En primer lugar, debes de escoger el elemento que vas a enmascarar. Por ejemplo, una imagen. Esta imagen debe de ser de gran calidad y debe de ser del mismo tamaño o mayor que la máscara. Puedes encontrar imágenes de calidad en bancos de imágenes como Unsplash, Pixabay o Picography.

Imagen extraída de Unsplash

Escribe el texto

A continuación, escribe el texto.
Recuerda, que el texto debe de estar por encima de la imagen. Para enviar la imagen detrás, debes de hacer click derecho encima de la imagen y darle a la opción organizar -> enviar detrás.

Te recomendamos que utilices una tipografía con un trazo bastante grueso. Si utilizas una tipografía con trazos finos, no se apreciará la imagen. Así que antes de empezar, analiza bien cómo quieres el diseño y busca la tipografía que mejor se adapte a él.

Crea la máscara

Una vez ya tengas la imagen y el texto en la mesa de trabajo, sólo queda crear la máscara de recorte.

Para ello, selecciona Objeto -> Máscara de recorte -> Crear

Recuerda que ambos objetos deben de estar seleccionados. Para seleccionar, haz click en la herramienta Seleccionador.

Disfruta de tu máscara de recorte

¡Listo! Ya tienes la máscara de recorte con texto creada.

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A poco de llegar la gran actualización de Creative Cloud con toda esa serie de programas, ahora sabemos que las siguientes versiones de Photoshop y Lightroom no podrán ser disfrutadas con Windows 8.1 Windows 10 v1511/v1607 y Mac OS 10.11.

Para sorpresa de muchos, Adobe obligará a tener debidamente actualizado nuestro PC para así poder disfrutar de las novedades de esas actualizaciones que están pronto por llegar. Es decir, tendrás que actualizar Windows 10 sí o sí para tenerlas.

Es decir, que aquellos que no quieran pasar de Windows 8.1 o las primeras actualizaciones de Windows 10 o macOS El Capitán, ya puede ir despidiéndose de las versiones 20.x y superior de Photoshop y la 8 de Lightroom.

Es Adobe el que lo ha anunciado desde su propio blog. Y se excusa que para poder disfrutar de las últimas tecnologías de los sistemas operativos y de sus programas tendremos que tener a punto y bien actualizado los mismos.

En Windows 10, mientras tengamos una licencia activa, podemos actualizar el sistema operativo sin ningún problema. Así que realmente lo tienen aquellos que se han quedado en Windows 8.1 por vagueza o simplemente porque no ven ninguna ventaja pasar a Windows 10, una versión que recibió sus críticas, aunque sí que ha sido muy bien recibida por muchos.

Sobre todo por ser una versión que mejora Windows 7, una de las ediciones más aclamadas tanto por la prensa como por la comunidad de usuarios de PCs con Windows. Por lo que respecta a la versión 10 de Windows, una de las ventajas al tenerla instalada es poder acceder a los nuevos perfiles de color, que pueden ser aprovechados tanto en Adobe Camera RAW como en Adobe Lightroom.

Una Adobe que se encuentra ahora mismo en un gran posición en el mercado, aunque con trabajos como los de Affinity con Publisher con su beta pública, Designer para equipararse a Illustrator, y Photo, para ser una alternativa real a Photoshop, puede verse entre las cuerdas en un par de años.

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La web se ha convertido en toda una fuente de recursos inagotable. Podemos hallar apps web como Scale, un generador de escalas de colores de gran utilidad para el profesional o aficionado al diseño en toda su amplitud.

Scale también se distingue por estar alojado en github, el mejor recurso actual para multitud de desarrolladores en el que suben sus trabajos open source o de cualquier índole. Entre sus características está la opción de crear una web y alojarla, tal como ocurre con Scale.

Es aquí donde golpea de forma especial Scale, ya que desde el primer momento que se cargue la web en menos de un segundo, aparecerá una interfaz minimalista que pone el objetivo sobre el código de color.

Ese código de color puede ser modificado con los valores RGB encontrados justamente debajo con unos deslizadores que nos permiten rápidamente ir cambiando la escala de color que se genera justamente en la parte central de la ventana web.

Seleccionado un código de color y la generación de la escala de color ante nosotros, nos quedan 8 valores que podemos modificar. Tres serían para los tonos oscuros de la escala de color generada, y otros tres para los tonos claros. Los dos restantes son para la cantidad de colores para los claros y oscuros.

De esta forma podremos modificar esos tonos para usar el nivel de saturación, cambiar el ángulo de tono para que así la escala sea más agresiva o menos en su escalabilidad, o aumentar o disminuir la cantidad de oscuridad o luminosidad de los tonos.

Scale nos permite acceder a controles avanzados para generar una escala de colores y copiar haciendo clic en cualquiera de los tonos. Simplemente al hacer clic se copiará en el portapapeles para que podamos pegarlo donde queramos o necesitemos.

Una app web de gran calidad y que recomendamos desde estas líneas en Creativos Online. Os dejamos con esta herramienta web para usar los colores como si fuera el buscador de Google.

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Click here to view the embedded video.

Content-Aware Fill es la mejor forma de eliminar un objeto en concreto de una fotografía que tengamos. Es una herramienta que es capaz de ahorrarnos un buen tiempo, sobre todo si usamos el tampón.

Es ahora cuando Adobe Photoshop ha mejorado el relleno automático de imágenes con el nuevo Content-Aware Fill. Hablando en plata, esta función se encarga de sustituir el espacio que ha dejado un objeto que hemos eliminado de una escena. Es decir, lo rellena de tal manera que, por arte de magia, lo hace desaparecer.

La mejora de Content-Aware Fill para Adobe Photoshop consta de una opción para seleccionar cuales son las partes del contenido de la imagen que se usarán para rellenar. De esta forma, se intenta evitar el desastre que se puede llegar a ocasionar cuando se rellena el espacio vacío con artefactos extraños que quedan fatal.

Otra de las mejores funciones es que podremos hacerlo casi en tiempo real, o lo que sería un previo de la zona que vamos a rellenar para que así sepamos a ciencia cierta como quedará el resultado final. También optaremos a poder medir mejor la escena usando una perspectiva distinta, lo que dará un toque más profesional y se logre ese efecto de magia que es capaz de producir un programa como es Photoshop.

Una Photoshop que sigue sorprendiéndonos con funciones exclusivas, como sucedió con la capacidad de seleccionar todo un fondo. Y mientras tenemos a Affinity acercándose con sus programas para ser un competidor real, Adobe sigue distanciándose con características bien llamativas y que muestran el grado de interés y de profesionalidad que todavía atesora esta compañía.

Para finalizar, no os perdáis el vídeo que ha publicado Adobe para mostrar todas las novedades de la función de relleno de Content-Aware Fill, o lo que podríamos llamar como la magia propia de Photoshop.

La entrada Adobe Photoshop se pone las pilas: mejora el relleno automático de imágenes de Content-Aware Fill se publicó primero en Creativos Online.

Entre los programas de vídeo que tenemos en Adobe Creative Cloud podemos contar con Premiere Pro y After Efects entre otros. Hoy Adobe ha anunciado las próximas novedades para el vídeo de CC.

Se pone el objetivo en acelerar los tiempos de producción, mejorar los flujos de trabajo para que sean más fluidos y ofrecer capacidades más potentes para ser el mejor ayudante para que los cineastas y profesionales del vídeo puedan dar el máximo de si mismos.

También podemos hablar de actualizaciones para Adobe Sensei que incluyen animaciones, herramientas inteligentes para la limpieza de audio, graduación de color selectiva, plantillas avanzadas de Motion Graphics y el soporte integral para la Realidad Virtual en 180 grados para vídeos.

Una Adobe que se encuentra entre las producciones más interesantes de Hollywood, como son Stranger Things o Mindhunter, gracias a Premiere Pro o After Effects.

A la par que Project Rush, una app todo en uno que sigue en estado beta pero que ha sido lanzada recientemente y que pondrá bastante énfasis en el contenido de vídeo. Y es que los proyectos de Rush podrán ser abiertos en Premiere Pro.

Estas son las novedades para el vídeo de Creative Cloud:

• Nuevas formas de animar con nuevas herramientas de modelado de malla: se usará la inteligencia artificial y tecnología de aprendizaje de Adobe Sensei.
• Mejor sonido gracias a las herramientas de limpieza DeNoise y DeReverb en el panel sonido de Adobe Audition.
• Mejor control del color con ajustes de curva para la graduación de color selectiva.

• Podrás arrastrar y soltar hojas de cálculo en las plantillas de Motion Graphics para la generación de representaciones.
• Vídeos inmersivos: de 180 grados en Premiere Pro y After Effects.
• Colaboración: invita a grupos y colaboradores para proyectos de equipo.
• Mejorados los flujos de trabajo de Adobe Stock: clasifica millones de secuencias de vídeos desde el panel Gráficos en Premiere Pro y After Effects.

A partir de mañana serán presentadas todas estas novedades desde la conferencia de IBC en Amsterdam. Unas novedades para el vídeo más que interesantes de Adobe Creative Cloud.

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