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El ajuste automático de Adobe Lightroom se sirve ahora de la Inteligencia Artificial

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sepia

La Inteligencia Artificial o AI se está valiendo de los algoritmos y el machine learning para procurar del software preciso para mejorar los procesos que son capaces de eliminar objetos de una fotografía, tal como conocimos en una de las nueva funciones de Adobe Photoshop y que prontamente llegará a este programa de sobra conocido por todos.

Es ahora cuando Adobe ha lanzado una actualización a su suite de apps de fotografías de Lightroom que, entre otras cosas, trae consigo un nuevo ajuste automático basado en el machine learning. Este nuevo ajuste usa la plataforma de AI Sensei de Adobe para analizar una foto y compararla con las miles de imágenes editadas profesionalmente de su catálogo.

Usa esa información para conseguir que tus fotografías tengan un mejor “look” o presencia visual y no tengamos que estar pasando por los distintos ajustes de un programa como Lightroom. Esta actualización llega para las últimas versiones de Lightroom CC, Lightroom CC para iOS, Lightroom CC para Android, Lightroom CC en la web, Lightroom Classic y Adobe Camera Raw.

Lightroom AI

Estamos ante ese objetivo principal de Adobe de traer la AI a sus distintas herramientas para que éstas sean más inteligentes. Fue en la conferencia MAX de la compañía de este año, cuando Abhay Parasnis, CTO de Adobe, afirmó los intereses de Adobe para crear una plataforma de diseño centrada en la Inteligencia Artificial.

Curva de Tonos

La idea que subyace en todas estas innovaciones, es que Adobe quiere que el artista se centre principalmente en el hecho propio de crear y relegue ciertos procesos en los algoritmos. No solamente se queda en esta novedad para Lightroom, sino que se incluye la vuelta de la herramienta de Curva de Tono al igual que Split Toning, una herramienta que ayudará a producir el efecto sepia.

El nuevo Lightroom CC incluirá la habilidad para capturar la hora de una fotografía y un nuevo modo a pantalla completa para que no nos perdamos detalle de la imagen que estamos retocando.

El artículo El ajuste automático de Adobe Lightroom se sirve ahora de la Inteligencia Artificial ha sido originalmente publicado en Creativos Online.


15 nuevas tipografías indispensables, gratis!

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En los últimos años hemos sido testigos del crecimiento del mercado tipográfico. Así es como hemos visto aparecer multiplicidad de nuevas familias tipográficas, tanto serif, sans serif o script como estilos de fantasía o temáticas.

Este fenómeno del establecimiento de la tipografía como un arte y como una profesión esta relacionado sobre todo con el crecimiento de los medios y plataformas digitales. En este sentido, el aumento del diseño digital ha hecho necesaria la diversificación de tipografías adecuadas para display. Por otro lado también se puede relacionar con la creación de programas de diseño de tipografía los cuales facilitan su creación. 

A diferencia del inmaculado diseño de la Escuela Suiza; en la cual los recursos estaban limitados a formas geométricas básicas, retículas ortogonales y el uso de colores plenos; el diseñador actual dispone de gran variedad de tipografías que le permiten desarrollar proyectos de mayor despliegue creativo.

En comparación con el diseño de primera mitad de S. XX, hoy en día, indudablemente existen más posibilidades de producción gráfica. Esto puede atribuirse en parte a la diversidad de recursos gráficos de los que podemos hacer uso. Es así cómo podemos acceder, tanto a recursos de buena calidad como de pésima calidad. En este caso, ya es responsabilidad del diseñador saber cuando y donde utilizar cada recurso.

Sin embargo, lo que es cierto, es que hasta ahora ha habido muy pocas familias tipográficas que han podido competir con las amadas Helvetica, Baskerville, Gill Sans, Gotham y sus hermanas.

A continuación te mostramos 15 tipografías actuales que son indispensables para todo diseñador y te damos enlaces para que puedas descargar la familia tipográfica GRATIS!

Museo Sans

Una tipografía amigable en cada uno de sus pesos. De bajo contraste y perfecta tanto para display como para analógico.

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Montserrat

Sus tres variantes tienen las características de un estilo modernista delicadamente suavizado.

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Proxima Nova

La llaman la nueva Helvetica. Es usada en más de 25000 sitios web y su anatomía la hace perfecta para cualquier tipo de proyecto.

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Centrale Sans

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Open Sans

Esta es la fuente de la mayoría los sitios web. Es sofisticada pero moderna  y su característica principal es la legibilidad.

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Source Sans

La tipografía creada para ser utilizada en Display por defecto. Así, es como su legibilidad es optima para ello.

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San Francisco

La tipografía adoptada en el sistema operativo de Apple. Como todos los productos Apple esta fuente es proporcionalmente perfecta.

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Bebas Neue

La tipografía más popular de la última década. Su uso se ha generalizado y es protagonista de multiples posters y marcas.

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Alégre Sans

Alégre puede ser la sustituta perfecta para Bebas. Se diferencian en el kerning y en algunos ángulos.

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Roboto Slab

Se ha convertido en un familia popular debido a su forma liviana y dinámica que la hace ideal para proyectos de carácter contemporáneo, delicado y tendencioso.

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Merriweather

Es una tipografía Serif de características sólidas pero con terminaciones de estilo caligráfico también se puede encontrar su versión Sans Serif.

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Crimson Text

No es de las tipografías actuales más conocidas, pero sus características la hacen perfecta para proyectos analógicos y para texto.

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Mate

Mate es una tipografía Serif  para texto. Tiene un estilo robusto rematado con terminaciones caligráficas anchas que le dan personalidad y dinamismo.

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Tienne

Es una tipografía serif con gran carácter, estilo delicado y de cuerpo alto ideal para Display y textos cortos.

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Warnock

Warnock probablemente es la tipografía Serif más masculina y robusta pero elegante y sofisticada que ha habido.

Descárgala aquí

¿Y tú conoces otras tipografías que quieras agregar a la lista? Dejadla en los comentarios

El artículo 15 nuevas tipografías indispensables, gratis! ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

¿Cómo debería ser el espacio de trabajo perfecto para un diseñador?

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Cuando elegí estudiar diseño gráfico estaba muy emocionada. Desde mucho tiempo me había atraído la idea de la forma de trabajo además del resto de las cosas increíbles que tiene. Luego me recomendaron que al elegir que estudiar uno debía imaginarse su espacio de trabajo ideal. Uno debía intentar verse en ese lugar físicamente.

Me imaginé como sería pasar horas jugando con mi ordenador y escuchando música, en un ambiente distendido donde podría leer, dibujar o pintar y amé la idea. Sin embargo no pensé en cuanto iba a costar, tanto física como monetariamente, un trabajo de tales características. Si bien elegiría esta profesión una y mil veces más, me gustaría contarles a los nuevos diseñadores que comienzan su camino, con que problemas se van a encontrar.

En este artículo menciono algunos de los elementos indispensables para el espacio de trabajo de un diseñador y que puedes encontrar en tiendas online como Livingo. En primer lugar, hay dos elementos esenciales que no pueden faltar y en los que aconsejo no escatimar en gastos. Luego menciono otros que creo facilitan y hacen más ameno el trabajo del diseñador.

Una buena silla

La silla es una de los elementos de trabajo más importantes para un diseñador. Sobre todo para aquellos diseñadores que pasan sentados jornadas de 8 o a veces hasta más horas.

Es muy importante al elegir una silla o sillón de oficina tener en cuenta varios aspectos. En primer lugar, tener en cuenta la ergonomía. Por esta razón es que se debe observar que tengan zonas de soporte lumbar, apoya cabeza y que sean firmes pero cómodas.

En segundo lugar es indispensable que tenga un diseño funcional y adaptable. Esto significa que permita adaptar la altura, ya sea en relación a la persona como en relación el escritorio.

Por último, seleccionar la silla según materiales y colores eficientes. Es necesario recordar que ésta será utilizada casi todos los días de la semana y por gran cantidad de horas. Por ello sería inteligente elegir materiales que no se arruinen con el uso y sean fáciles de limpiar como por ejemplo el cuero. Además de ello, les recomiendo siempre elegir muebles de color oscuro, ya que los claros se deterioran mucho más rápido.

Un claro ejemplo de silla que reúne todas las cualidades anteriores podría ser este modelo de la marca Beliani aunque hay muchas más que cumplen el mismo patrón.

Les dejo un gráfico para que veáis los puntos más importantes a la hora de elegir una buena silla para trabajar o pasar muchas horas frente al ordenador:

Elegir silla de oficina

Un ordenador que vuele

Es sabido que los diseñadores gráficos generalmente somos fans de los productos Apple. ¿Pero no creen que son hermosos y perfectamente diseñados? Nuestra predilección por estos gadgets de precios exorbitantes se debe a que sus productos tienen un sistema operativo muy “user friendly”. Por consiguiente este sistema operativo simplifica enormemente la labor del diseñador. Tarea que, generalmente, tiene una carga de trabajo muy pesada.

En este sentido, el diseñador se enfrenta a múltiples programas de gran peso que requieren que el ordenador pueda maniobrar entre el uso simultáneo de uno y otro sin gran esfuerzo. Es así como nos permite continuamente poder parar y retomar trabajos sin si quiera apagar el ordenador. Ésta capacidad es indudablemente una de las mejores ya que nos permite dinamizar el flujo del trabajo. Por otro lado, también posee la capacidad de recuperar los trabajos realizados ante un apagado imprevisto.

Por supuesto, existen múltiples desventajas que varían desde el precio, pasando por la poca flexibilidad que brindan al usuario, hasta en algunos casos la imposibilidad de actualización del hardware. Además también debemos agregar el ratón y el teclado si hemos elegido un ordenador desktop. Sin embargo, siguen siendo la mayoría de diseñadores quienes admiten que los puntos a favor superan a los negativos. Entonces, cabe preguntarse a uno mismo… ¿Qué es lo más eficiente para mí en esta etapa de mi carrera? ¿Se justifica el gasto ante el flujo de trabajo que tengo?

Escritorio

El escritorio es un elemento que puede ser elegido con mayor flexibilidad. En este sentido, su elección debería determinarse según la relación entre el material y el color. Estos elementos van a determinar el índice de reflectancia que puede tener el escritorio. La reflectancia es la capacidad que tiene un cuerpo de reflejar la luz que le llega de vuelta al ambiente. Por consiguiente, este fenómeno influye en la percepción visual del usuario y en su capacidad de trabajo, ya que percibe estas ondas que pueden llegar a ser molestas. En relación a ello, lo ideal sería elegir una mesa de trabajo con materiales mate que reduzcan el brillo de los objetos y disminuyan la reflectancia.

Tableta gráfica

Los diseñadores que tienen mucho flujo de trabajo y valoran la expresión del trabajo manual saben cómo de importante es tener una tableta. En la actualidad se ha vuelto indispensable la utilización de software informático de vectorización. El problema, es que, éstos son generalmente utilizados con comandos que permiten poca gestualidad, como lo son los ratones.

En solución a ello es que aparecieron las tabletas gráficas. Estas son herramientas que permiten simplificar el uso de los programas vectoriales produciendo trabajos que preservan la expresión de los trazos manuales. Por otro lado también colaboran con un desarrollo más eficiente y rápido de los proyectos.

Altavoces

Altavoces UE boom

Personalmente creo que la música es una de los elementos más importantes en cuanto al desarrollo de la creatividad. Sin duda alguna es esencial para cualquier creativo estar expuesto a un ambiente donde se pueden estimular sus sentidos. Sobre todo si trata de un trabajo que puede llegar a ser muy estático como lo es el diseño gráfico. Por esta razón es que recomiendo considerar adquirir altavoces inalámbricos y transportables. Estos son gadgets muy prácticos que permiten gran flexibilidad de uso y generalmente su calidad de sonido es óptima. De esta forma podremos ambientar el espacio y convertirlo en un lugar más ameno.

Biblioteca con muchos libros

Generalmente las personas que no conocen bien sobre diseño suponen que lo único que hacemos es “dibujitos” y que no estudiamos nada. Si bien el contenido teórico de las carreras de diseño no puede compararse en absoluto con los de una carrera de Ingeniería; es sumamente importante para el diseñador tener amplio conocimiento en variados campos. Esto sucede porque generalmente, éste trabaja en/y para múltiples ámbitos de los cuales tiene que tener conocimiento.

Por esta razón, debes ser capaz de adquirir información constantemente y de volver a ella en el momento adecuado. Además, tampoco haría daño proyectar a nuestros clientes un poco de intelectualidad y fundamento en lo que decimos.

El artículo ¿Cómo debería ser el espacio de trabajo perfecto para un diseñador? ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Cómo convertir una foto en un dibujo con Photoshop

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Click here to view the embedded video.

Adobe Photoshop tiene un sinfín de posibilidades y nos permite realizar todo tipo de ajustes y modificaciones tanto a fotografías como a diseños que hagamos propios y luego queramos venderlos. Es una de las mejores herramientas actuales y ha servido para cambiar el mundo del diseño y la fotografía para encontrar con novedades tan llamativas como esta.

Hoy os vamos a enseñar cómo convertir una foto en un dibujo con Adobe Photoshop. Vamos a usar distintos filtros de la galería y a nuestra propia mano para darle incluso un acabado más real, para que parezca que hemos estado con el lápiz y la goma dibujando esa foto de alguno de nuestros familiares o amigos.

Antes de empezar con el tutorial, os podéis servir del vídeo que hemos publicado en nuestro canal de Creativos Online para seguir los pasos tal cual y sea incluso más fácil que por aquí.

Pasos para convertir foto en dibujo con Photoshop

  • Os recomendamos que uséis esta imagen a continuación para hacer el tutorial:
  • Abierta la imagen en Photoshop, vamos a duplicar la capa con control+J.

duplicada

  • Seleccionada la capa duplicada, nos dirigimos a “crear nueva capa de relleno o ajuste” en los controles de la ventana de capas.

Blanco y negro

  • La imagen pasará a estar en blanco y negro.

En blanco y negro

  • Ahora aplicamos modo de fusión “Sobreexponer color” en la capa duplicada o capa 1.

Sobreexponer

  • Los blancos aparecerán como quedamos para pasar al siguiente efecto.

Exponer

  • Invertimos los colores con control + I y aparecerá la imagen totalmente en blanco.
  • Ahora es el momento de convertir la capa 1 en objeto inteligente con botón derecho sobre la capa y seleccionar esa opción.

Convertir

  • Esto lo hacemos para poder realizar cambios en el filtro y así poder modificarlo si lo necesita nuestra imagen para producir un efecto mayor de lápiz.
  • Aunque no tengáis la opción de convertir a objeto inteligente, con este paso podréis seguir, ya que nos queda ir a Filtros> Desenfocar> Desenfoque Gaussiano.

Gaussiano

  • En la ventana del desenfoque gaussiano modificamos el radio en 2,7 píxeles. De esta forma tendremos el dibujo y el rostro tendrá su forma adecuada. Si estuviéramos ante otra imagen podemos cambiar el radio para que encaje mejor, ya que la que tenemos es bastante luminosa.
  • Damos a OK para aplicarlo.
  • Vamos a duplicar de nuevo la imagen de fondo con control+J y la subimos al tope de las capas.

Topes

  • Vamos a desaturar el color de la imagen con Control+Mayúsculas+U.
  • Ahora usaremos otro filtro desde la Filtro>Galería de filtros>Estilizar>Bordes resplandecientes.

Bordes

  • La idea aquí es que podamos ver el contorno dibujado, así que aplicamos Anchura de borde a 1, Brillo a 5 y Suavizado a 4.
  • Damos a OK, y ahora toca invertir los colores con Control+I.
  • Es el momento de aplicar el modo de fusión Multiplicar. Haremos que los píxeles blancos sean invisibles y que los oscuros visibles.
  • Quedaría así:

Multiplicar

  • La idea ahora es otorgar al dibujo de ese toque carboncillo para sombras. Duplicamos la capa de fondo con Control+J y la llevamos al tope de las capas.

Fondo

  • Desaturamos la imagen con Control+Mayúsculas+U.
  • Y nos dirigimos a Filtro>Galería de filtros>Bosquejar>Carboncillo. Aplicamos 1 a Anchura de carboncillo, 4 a detalle y 49 a equilibrio de luz y sombra.

Carboncillo

  • Cada vez que modifiquemos los filtros siempre dependerá de la fotografía que estemos usando. No es algo fijo y con lo que tendréis que jugar.
  • Es el momento para usar el modo de fusión “Multiplicar” en la capa que hemos aplicado Carboncillo.
  • Queda así:

Final carboncillo

  • Ahora, si tenemos una tableta Wacom mejor para poder dibujar. Pero no hace falta ya que con el ratón, y aunque no seamos diestros dibujando, podremos aplicar sombras al dibujar multitud de líneas.
  • Seleccionamos el pincel con B y ponemos un tamaño de 31 pixeles para que cubra casi el ojo.
  • Nos damos cuenta de que al aplicar Carboncillo el iris apenas se ve, por lo que usaremos el pincel para sacarlo a relucir.

Ojos

  • Creamos una capa de máscara desde el botón situado en la parte inferior de la ventana de capas:

Máscara

  • Pulsamos tecla X para cambiar el color frontal por el negro si estuviera en blanco u otro. De esta forma, cuando pintemos en negro se esconderán los píxeles que son seleccionados.
  • Pintamos con negro y produciremos el efecto deseado. Se ve la diferencia con la imagen anterior en los ojos:

Ojos

  • Podemos seguir pintando para sacar brillo a esas partes más oscuras. Ir retocando hasta encontrar el dibujo deseado sin olvidaros de usar control+mayúsculas+Z para borrar si no os gusta el efecto provocado.
  • Ahora es el momento de hacer el pincel más pequeño con 1 o 2 píxeles.
  • Creamos una nueva capa con Control+Mayúsculas+N.
  • Bajamos el flujo al 56% para hacer que el negro sea más grisaceo y parezca el dibujo de un lápiz.
  • Ampliamos la imagen y empezamos a dibujar sobre la imagen para producir sombras con lápiz.

Líneas

  • Es cuestión de ir pasando tiempo para ir aplicando esos trazados y usar los oscuros para hacer parecer que están dibujados a mano, como en la imagen ejemplo donde mostramos a grosso modo como se hace:

Grosso

  • Esa técnica la podéis aplicar al pelo, cuerpo y armadura como se ve en esta imagen de un antes/después:

cambios

  • Así quedaría ampliada:

ampliada

  • Dibujada toda la fotografía, creamos una nueva capa de relleno solido en color blanco:

Uniforme

  • Desactivamos esa capa nueva creada.

Desactivada

  • Nos vamos a canales en ventana de capas y elegimos cualquiera de ellos. Mismamente el azul.

Azul

  • Lo arrastramos hasta el icono situado en la parte inferior de crear nuevo canal.
  • Lo seleccionamos e invertimos los colores con Control+I.
  • La idea ahora es crear una selección de los píxeles claros de la imagen. Hacemos Control+ clic en el recuadro miniatura de “Azul copia”.

Azul copia

  • Vamos al canal de capas y activamos la capa de relleno.
  • Creamos una nueva capa de relleno de color sólida y al seleccionar el color podremos ver como se produce un efecto color sepia si usamos un tono naranja o marrón o mismamente pasarnos al azul.

Sepia

  • En este caso usaremos uno cerca del negro y el azul.

Final

  • Pulsamos OK y ya tendremos nuestra imagen finalizada.

El artículo Cómo convertir una foto en un dibujo con Photoshop ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Storyboard, la nueva app de Google de AI para transformar vídeos en viñetas de comic

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Storyboard

Al igual que Adobe, Google nos ha demostrado su gran capacidad para crear todo tipo de apps que están relacionadas con la fotografía. Su propia app de cámara es todo un acierto con un modo HDR basado en el software, que es capaz de sacar fotografías de gran calidad; sino que se lo digan a aquellos que tienen un teléfono Pixel en mano.

Ahora la gran G ha lanzado una app experimental llamada Storyboard en el sistema operativo para dispositivos móviles Android. Esta app está idea para usar esos vídeos que tengamos y su Inteligencia Artificial o AI sea capaz de “tomar” las fotos que mejor relatan ese vídeo para así transformarlas en viñeta de un cómic.

Si Adobe está enfocando su suite de programas hacia la AI  o Inteligencia Artificial, Google está también en las mismas con una serie de apps experimentales que se valen del reconocimiento de objetos, segmentación de personas y distintos algoritmos para procesar ese vídeo y transformarlo en un cómic.

app-google

Desde el mismo momento que iniciemos la app, nos pedirá que busquemos un vídeo para que automáticamente lo procese y dé como resultado una tira de un cómic con las imágenes más relevantes. Lo mejor de todo es que con un gesto hacia abajo en la pantalla podremos ir cambiando tanto los filtros (con un máximo de seis) como la aleatoriedad de las viñetas que tendremos en la tira cómica.

Y es esto mismo la funcionalidad de esta app que no viene con nada más que la capacidad para transformar vídeos en viñetas. Una aplicación muy bien ideada, simple en el manejo y que la tienes disponible gratuitamente en la Google Play Store. Solamente queda esperar para que la lancen en iOS y los que tengáis un iPhone o iPad podáis beneficiaros de su gran utilidad y prestaciones.

Descarga Storyboard en Android

El artículo Storyboard, la nueva app de Google de AI para transformar vídeos en viñetas de comic ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Gama de colores: usos y combinaciones

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colores

Más o menos todos conocemos la emotividad o sentido que da un color. Uno de los ejemplos más claros es el rojo del planeta Marte que nos indica combate o el de las cerezas, que lo traducimos al segundo a la pasión. El conocer el significado de cada color nos vale para acentuar un rasgo en un mensaje de un meme, o mismamente para ser el foco de la paleta de colores de un diseño web.

¿Pero qué ocurre cuando queremos combinarlos? Podríamos decir que los problemas aparecen para intentar encontrar que aquel verde puede encajar mejor con un amarillo limón que suavice la intensidad de uno u otro. Es una de las claves en el diseño el saber elegir el color correcto para que la armonía visual aparezca en el espectador o usuario que está abriendo por primera vez nuestra aplicación.

Con esto nos vamos directamente a que hace falta un ojo bien entrenado para identificar rápidamente que color pega con otro para dar un sentido en concreto. Ya sea que queramos encandilar al espectador con una espectacular panorámica, un atardecer romántico o una escena dinámica en el que los distintos colores sean capaces de darnos la sensación de que la imagen está en movimiento aunque esté estática.

Los colores

Antes de pasar ante combinaciones de colores más complejas, vamos a ir color tras color para hablar de su principal peculiaridad y aquellos colores con los que se lleva bien. Siempre recomendaremos que experimentar es otra de las vías para encontrar esas combinaciones, aunque como hemos dicho, debemos de tener el ojo trabajado o tener ese talento innato para identificar combinaciones que surgen naturales.

El color naranja

Estamos ante ese color que es capaz de suscitar gran agresividad cuando lo encontramos como el eje principal del diseño de La naranja mecánica de Stanley Kubrik. Aun así, implica como sentido el cambio, lo moderno y lo que destaca. Estamos ante uno de esos colores que gustan o no gustan, pero que son originales.

naranjas

Se lleva bien con una propia gama de colores naranjas y con un color como el verde. Es con los tierras también con el que podemos encontrarle, aparte de algunos rojos. Sino queremos complicarnos mucho, ponerlo al lado de una gama de tonos de naranja será su mejor posición.

El color morado

Ya hemos sabido que este año que viene, el 2018, el ultravioleta es el color elegido por PANTONE. Un color que se atribuye al misterio, a lo desconocido y a la exploración de todo aquello que está por averiguar. Provocador y reflexivo estamos ante otro de esos colores que han sido llevados por artistas como Prince.

Morado

Si buscamos combinaciones, podemos hallarle muy bien con los tierras, gama de naranjas y una serie de tonos púrpuras que siempre sean de menor intensidad que el primario. El verde puede ser un buen contraste, más cuando éste tenga más azul que amarillo.

El color amarillo

Uno de los colores más chocantes en una primera vista, aunque siempre dependerá si tiene más rojo que azul. Tendiendo al naranja siempre hace descansar a la vista, pero con el azul, el frío, comienza a dar otro tipo de sentimientos que van más relacionados con la ira. Es un color difícil en si.

amarillo

Con un azul cielo podemos ponerle para hacer un buen contraste y cuando se acerca a cualquiera de los tonos azules o rojos, es capaz de llevarse bien con cualquiera. También podemos rodearle de tonos oscuros para que destaque enormemente en una escena cualquiera.

El rojo

El color de la pasión, del amor y el que es capaz de hacernos sentir más cosas. Es uno de los colores primarios, por lo que depende mucho su estabilidad según le enfrentemos a unos u otros. Podremos acentuar su significado con el gris, mientras que si buscamos el verde podremos disminuir esa pasión y energía que es capaz de brindar en cualquier elemento web en el que lo usemos.

rojos

Con el verde se combina bastante bien, pero dependerá del tono de este. Un oliva siempre será un buen compañero de juegos. Podemos llevarle por una gama de rojos con blanco para acabar en los rosas.

El color azul

El rey de los colores fríos y que se encuentra en todas partes para dar, en un principio, estabilidad, tranquilidad y frialdad. Solamente hay que mirar por la carretera para encontrar a este color en un gran número de coches.

Azul

Le podemos combinar con una gama de tonos azules, al igual que con el verde y el rojo. Si no queremos arriesgarnos en un diseño en concreto, podemos tener la seguridad de que no nos equivocaremos si no la liamos mucho.

El color negro

La oscuridad, la muerte y el pesimismo afloran con el color negro, aunque también se le puede dar otro sentido con el lujo y la elegancia. Solamente hay que ver que es el color de los frac y de los vestidos de noche para las galas.

negro

Es un color que se combina perfectamente con todos, aunque solo es capaz de ofrecer ese sentido de lujo y elegancia.

El color verde

Las energías renovables, la naturaleza y el planeta se visten de verdad para mostrar lo vivo y lo saludable. También se atribuye al veneno y si nos fijamos en los productos de limpieza, la mayor parte se sirven del verde para ofrecer esos sentidos.

verdes

Podemos combinarle con colores tierra al igual que con una gama de verdes que nos lleven ante esa naturaleza y atribuirle a un buen estado de salud. Con el marrón también se lleva muy bien.

Combinaciones de colores complejas

Unas cuantas combinaciones que nos sirven para dar distintos sentidos y proyecciones visuales de diseño web, aplicaciones o un trabajo en el que necesitemos encontrar tres o cuatro colores que nos valgan para apaciguar la mirada del espectador.

Clásico y retro

retro-clasico

Si nos pasamos por el negro, un verde oliva frío, un rojo carmín y un marrón, encontraremos una paleta de colores que sirve perfectamente para una fotografía de un coche retro.

Azules y verdes relucientes

Resplandecientes

Distintos tonos de azules claros y oscuros más un amarillo, son capaces de dar mucho dinamismo a una escena cualquiera o lo que sería un animal mostrándo sus vibrantes plumas.

Los morados y naranjas del atardecer

atardecer

Si nos vamos por los púrpuras hasta los naranjas y amarillos, todos ellos son capaces de llevarnos ante un atardecer rojizo que se refleje en un lago para dar toda una escena llena de vida y colores.

La calma de los azules mediterráneo

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Con un tono púrpura bien claro y otro más oscuro, combinado con un marrón, podemos encontrar una combinación relajante para llevarla al mediterráneo y ofrecer bastante calma.

Lo sofisticado y la calma

taza-calma

Partiendo desde el negro hasta un tono oscuro y gris más claro, podemos elegir un púrpura apagado más un color veis que entre todos pueden ser usados para dar elegancia y vistosidad a una buena variedad de proyectos.

Los azules de la montaña

Montaña azules

Un buen rango de colores azules con un verde más vibrante puede representar una panorámica que también ofrezca ese lado calmado y conservador de un diseño.

Vintage de los años 50

Vintage 50

UNa serie de colores que entre si se llevan muy bien son el verde con un tono azulado, otro azul cercano al verde, y uno tirando más al oliva aunque bien claro,  para encontrarnos con una escena Vintage.

El turquesa y el rojo

rojo

Un azul turquesa más un rojo se convierte en una bonita combinación. Añadimos al negro, un azul turquesa más oscuro y un gris, y tendremos como resultado una combinación profesional para todo tipo de objetivos en el diseño.

Los 70

furgo

Elige tres azules que den ese aspecto de que estamos en verano, un azul más oscuro casi negro y un verde al que le hemos desaturado el color. Esta mezcla de colores es bien potente para cualquier tipo de publicidad veraniega.

La elegancia natural de los tierras

natura

Colores tierra oscuros más una serie de grises y un negro, son capaces de transportarnos a la armonía para ofrecer lo sofisticado.

El mar y cielo de la bahía

monocolor

Variaciones de un mismo color que originan mucha luminosidad cuando son tratados en un degradado como ocurre en la foto tomada.

El artículo Gama de colores: usos y combinaciones ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Las tendencias en diseño gráfico más importantes para el 2018

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Estamos a dos semanas de terminar este 2017 y con el nuevo año en pie, vamos a contarte cuales son las nuevas tendencias en diseño gráfico que estaremos viendo.

Naturalmente, las tendencias son un concepto muy efímero que atraviesa cambios de forma cíclica y rápida. En este sentido, las tendencias que hemos visto en los dos últimos años van a desvanecerse rápidamente ante estilos llenos de experimentación y juego.

Efectos glitch

Efecto glitch

La tendencia numero uno de este próximo año. El efecto glitch ha sido siempre visto como un problema para el espectador. Esto es porque surge a partir de errores indeseados que genera el software durante el manipulado de las imágenes. Sin embargo, este año aprenderemos a utilizar las imágenes corrompidas dándole un nuevo sentido estético.

Efecto arruinado

Efecto arruinado en imágenes de moda

Si el 2017 buscaba ser inmaculado, limpio y divertido este próximo año será la antítesis. Así es como veremos esta nueva tendencia que se acerca de la mano del arte contemporáneo. En consecuencia, finalmente tendremos la posibilidad de recurrir a los rasgados, salpicaduras, roturas, manchas de color y collage finalmente con buena aceptación.

Duo tono en doble exposición

Duo tono con doble exposición en Spotify

La tendencia que sera protagonista este año entrante. Conservaremos el duo tono que fue la estrella del año que pasa. Simplemente ahora agregaremos doble exposición a las imágenes para generar un estilo más ilusorio y distorsionado.

Este efecto se obtiene duplicando la imagen o usando dos imágenes superpuestas de diferente color cada una en color monocromático.

Efectos de canales de color

Efecto de canales de color

La manipulación de la imagen fotográfica va a ser una de las mayores tendencias del nuevo año. Es así como podremos permitirnos jugar con las imágenes y darles nuevo sentido estético para generar efectos de ilusión.

Espacio negativo y tipografía negativa

Tipografía negativa

Cuando lo negativo se transforma en positivo es cuando ocurre la verdadera transformación. El espacio negativo siempre ha sido difícil de trabajar ya que requiere mayor conocimiento de los fenómenos perceptuales. Así es como los elementos del fondo se trasladan al frente y los del frente hacia hacia el fondo, tanto en tipografías como elementos e imágenes.

Ilustraciones artísticas

Ilustración artística

Este año tomará mayor fuerza la expresión gestual. Todo lo relacionado con los realizaciones manuales como el dibujo y el collage. Podremos entonces, ver dibujo aplicado a tipografía, tipografía aplicada a dibujo, imágenes con dibujos sobre ellas y collages que mezclan dibujo, fotografía e imagen.

Tipografía para todo

Posters con diseño tipográfico

La tipografía se vuelve la estrella de la fiesta finalmente, luego de años de exploración. En particular, veremos el foco en la tipografía experimental o creativa que puede ser utilizada en conjunto con las tendencias nombradas anteriormente. Aparentemente regresaremos a los ’90 con composiciones de letras cortadas, desordenadas, no alineadas convencionalmente. Además veremos a la tipografía convertirse en elementos tridimensionales.

Colores brillantes

Colores brillantes en sistema de packaging

Una tendencia que seguirá vigente serán los colores brillantes. Se venían usando desde finales del año pasado y se prevé que seguirán en demanda durante el 2019 también. Ahora se agregan a ellos los gradientes de color, utilización de sombreados para generar 3D, transiciones de color, etc.

Conclusión

Este nuevo año seremos capaces de poner a trabajar nuestra fuerza creativa en muchos aspectos. Atravesando los conceptos de la fotografía intervenida, la utilización de colores vibrantes, y la integración de la tipografía, veremos que los limites se desdibujan y hay mayor posibilidad de utilizar recursos.

Aquí os dejo un tutorial de Crehana para lograr algunos de los efectos nombrados en el post.

 

El artículo Las tendencias en diseño gráfico más importantes para el 2018 ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

El secreto de los grandes diseñadores para una puesta en página perfecta

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Puesta en página básica

En su libro “La Nueva Tipografía”, Jan Tschichold asegura haber llegado al método infalible para crear un diseño de puesta en página perfecto. En realidad, tal método existía desde mucho antes de que llegaran los ordenadores, la prensa y las unidades de medida.

El canon secreto y la harmonía de la página

Códice iluminado

Allá por la Edad Media los libros eran un objeto de lujo reservado para la nobleza y el clero ya que su producción tomaba años.

Estos objetos eran escritos por monjes -escribas-, quienes crearon un sistema para diseñar el libro perfecto. Así es como, basados en un canon secreto, producían sus manuscritos iluminados teniendo en cuenta la armonía y la unidad en los bloques de texto y la página sobre la cual se posaban los elementos.

El canon utilizado por los escribas medievales era tan sofisticado que años después los diseñadores modernos lo re-descubrieron independientemente y vieron que compartían los mismos principios que los de aquellas primeras piezas gráficas.

Ahora te mostraremos en breves y simples pasos el secreto de los grandes diseñadores editoriales.

¿De que va la página perfecta?

Comencemos analizando una página simple sin las guías… Vemos que posee un bloque que flota hacia el centro superior de la página. De esta forma permite amplio espacio para la manipulación. También vemos un espacio bloques de texto que permite mantener un ritmo de lectura fluido.

Canon básico

Ahora vemos las guías generadas con el diagrama de Villard de Honnecourt aplicadas a la página básica anterior. Éste es el diagrama de 2:3 que Tschichold recomienda usar en su libro.

Diagrama 2:3

La belleza del bloque del texto está en la posición, tamaño y relación que tiene sobre la página sobre la cual esta contenido.

El canon mostrado no solo posiciona el bloque de texto en el espacio perfecto de la página. También lo proporciona para tener unidades perfectamente enteras. Estas unidades nos permitirán trabajar con una retícula modular, facilitando la diagramación.

Villard de Honnecourt

No importa que tan grande sea la página siempre terminaras con una retícula de 9×9. Compuesto por un bloque de texto 1/9 desde el margen superior e interior y 2/9 hacia el margen inferior y exterior

¿Pero cómo se llega a esta composición?

Expliquemos como sucede esto… Un modulo es a la retícula lo que una celda es a una tabla. Primero, tenemos la proporción de 2:3. El margen interior tiene la proporción de 2 partes sobre 3 en comparación con el margen superior. Por otro lado, el margen inferior y el exterior son el doble de eso. Entonces, el margen exterior es 4/9 y el inferior 6/9.

Pero no solo eso, sobre el pliego, los bloques de texto de ambas páginas tendrán la misma distancia entre ellos. Y por si fuera menos nos quedará una altura del bloque de texto que es equivalente al ancho de página

Sigue estos pasos en la imagen para generar el bloque de texto de tu puesta en página:

Pasos para diagramar

El artículo El secreto de los grandes diseñadores para una puesta en página perfecta ha sido originalmente publicado en Creativos Online.


Adobe XD se actualiza con mejoras en prototipos y edición en Phothoshop desde librerías CC

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XD

Adobe XD es una aplicación diseñada por esta importante compañía con el objetivo de ayudar a los diseñadores de interfaz con una serie de herramientas que son capaces de proporcionar la precisión y rendimiento necesarios para los quehaceres diarios profesionales. No solamente para aquellos que se dediquen a ello de forma profesional, sino para aquel que ha encontrado en CC la mejor forma de adaptarse a los tiempos que tocan por lo que respecta al diseño.

En la actualización del mes de diciembre de Adobe XD, lanzada hoy mismo, se ha incluido una serie de novedades como son las mejoras en el trabajo con prototipos y la habilidad para editar gráficos en Photoshop desde la ventana de librerías CC. Esto permitirá agilidad en el desarrollo de procesos y una mayor productividad a final de cuentas.

Una de las mejoras significativas es la función de subrayado de texto para ofrecer una experiencia de gran calidad y que mejora lo visto en otros programas. La característica de subrayado de Adobe CD permite dejar espacio para los descendientes, lo que crea un resultado bien llamativo para prototipos no scripts y los que lo son.

Subrayado

La otra novedad relacionada a los prototipos tiene que ver con la capacidad para seleccionar un objeto cerrado y modificar la posición de los trazos similar a la característica de alinear trazos que existe en Illustrator.

Bordes

Para mejorar el flujo de trabajo entre XD y otras herramientas de trabajo de Adobe, se ha añadido la opción “Editar…” en el menú de clic derecho que es capaz de abrir bitmps en Photoshop. Cualquiera de las ediciones que se lleven a cabo en la imagen en Photoshop significará que también se actualiza en el documento en XD.

También se permite hacer la licencia de activos desde la ventana de CC Librerías desde el sitio web de Adobe Stock. Una vez que la licencia sea un hecho, todas las instancias serán actualizadas.

Hay más funciones que os dejamos que conozcáis al actualizar desde la app de escritorio de Creative Cloud. Una Adobe que sigue sorprendiéndonos con funciones como esta.

El artículo Adobe XD se actualiza con mejoras en prototipos y edición en Phothoshop desde librerías CC ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Tamaños de papel

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papeles

Los estándares para el tamaño del papel han existido de forma distinta en varios momentos al igual que en diferentes países. Y aunque a día de hoy existe un estándar internacional, nos podemos ir a distintos países del planeta para encontrar distintas series de tamaños de papel como sería “carta” para lo que serían países en las Américas al igual que podríamos decir de otros como Filipinas.

Hay que tener en cuenta que el tamaño de un papel afecta al papel para escritura, la papelería, tarjetas y otro tipo de documentos impresos. Entre esos tamaños de papel se encuentra el estándar internacional que engloba las series C de ISO 269. Al igual que ISO 269, ISO 216 especifica el estándar internacional de los tamaños de papel utilizados en la gran mayor parte de países del mundo, aunque podemos poner algunas excepciones como son Canadá, Estados Unidos, México y la República Dominicana.

Las dimensiones de las serie A

Las dimensiones de las series A de tamaños de papel, que son definidas por el estándar ISO 216, están dadas en la tabla a continuación con el diagrama tanto en milímetros como en pulgadas. Si quisiéramos las medidas en centímetros, pueden ser obtenidas al dividir el valor de los milímetros por 10.

La gráfica de tamaños de papel de las series A ofrece una representación visual de cómo los tamaños se relacionan los unos con los otros. Un simple ejemplo es el A5 que es la mitad del tamaño de papel de A4, mientras que A2 sería la mitad de A1. Así podríamos entender mejor los tamaños e ir haciéndonos a su conocimiento para usar el que necesitáramos para todo tipo de objetivos.

Papel A

Estas son las medidas de cada uno de los tamaños:

  • Tamaño 4A0: 1682 x 2378 mm.
  • 2A0: 1189 x 1682 mm.
  • A0: 841 x 1189 mm.
  • A1: 594 x 841 mm.
  • A2: 420 x 594 mm.
  • A3: 297 x 420 mm.
  • A4: 210 x 297 mm.
  • A5: 148 x 210 mm.
  • A6: 105 x 148 mm.
  • A7: 74 x 105 mm.
  • A8: 52 x 74 mm.
  • A9: 37 x 52 mm.
  • A10: 26 x 37 mm.

Los tamaños mayores que A0, 4A0 y 2A0 no están definidos por ISO 216, aunque sí que son utilizados para papeles sobredimensionados. Esos formatos están basados en el estándar alemán DIN 476, que fue la base para lo que es el ISO 216.

Estos tamaños están siendo utilizados en todas partes del mundo entre lo que se incluiría a Estados Unidos, Canadá y partes de México. El tamaño A4 se ha convertido en el estándar para las cartas en países donde domina el inglés. En Europa se usa también desde mediados del siglo XX.

Papel B

Los tamaños de las series de papel B también se definen por ISO 216 y se puede ver perfectamente como se definene, tanto en centímetros y pulgadas en la imagen a continuación:

Papel B

Los tamaños son estos:

  • Tamaño B0: 1000 x 1414 mm.
  • B1: 707 x 1000 mm.
  • B2: 500 x 707 mm.
  • B3: 353 x 500 mm.
  • B4: 250 x 353 mm.
  • B5: 176 x 250 mm.
  • B6: 125 x 176 mm.
  • B7: 88 x 125 mm.
  • B8: 62 x 88 mm.
  • B9: 44 x 62 mm.
  • B10: 31 x 44 mm.

Este tipo de serie B fueron creadas con la intención de proveer tamaños de papel que no estaban cubiertos con las series A, pero que también usan el índice de 1:roo2. Los tamaños B están definidos por el tamaño B (número), siendo el significado geométrico de A (número) y tamaño A (número-1).

Este sistema tiene el objetivo de ayudar al aumento y reducción de documentos en el que la ampliación desde A a B es la misma como B a A.

Hay una serie de excepciones para los tamaños sin cortar B y B2+ y B1XL. No están definidos por la ISO y existen por una necesidad industrial en concreto. Sus dimensiones son estas:

  • B1XL: 750 x 1050 mm.
  • B2+: 530 x 750 mm.

Papel C

Al igual que las dos otras series, mostramos las medidas en centímetros y pulgadas de los tamaños de las series C de sobres. En el diagrama se muestra el tamaño de cada uno cuando se compara con una hoja de papel A4. Los tamaños de los sobres de Estados Unidos y Norteamérica no están cubiertos por el ISO 2016.

Papel C

Los tamaños son estos:

  • C0: 917 x 1297 mm.
  • C1: 648 x 917 mm.
  • C2: 458 x 648 mm.
  • C3: 324 x 458 mm.
  • C4: 229 x 324 mm.
  • C5: 229 x 324 mm.
  • C6: 114 x 162 mm.
  • C7: 81 x 114 mm.
  • C8: 57 x 81 mm.
  • C9: 40 x 57 mm.
  • C10: 28 x 40 mm.

Los tamaños de sobres C están definidos por el significado geométrico de los tamaños A y B con el mismo números. Las dimensiones C4 son la media geométrica de A4 y B4. Para que quede claro, la media geométrica de un conjunto de números estrictamente positivos es la raíz N-ésima del producto de los N elementos. Un poco de matemáticas nunca viene mal.

Lo que produce es un tamaño entre los dos que consiguen que una carta mantenga el papel de series A del mismo tamaño, por lo que una carta C4 es perfecta para una hoja A4 de papel no doblado.

En las imágenes de a continuación podéis encontrar las diferencias de las cartas C4, C5 y C6 comparadas al tamaño A4. En la primera imagen tenemos una carta C4 que puede contener una hoja A4, la carta C5 que puede contener un A4 doblado por la mitad y la carta C6 que puede contener un A4 doblado por la mitad dos veces, lo que sería una hoja A6.

cartas

Ahora podemos entender mejor porque los tamaños de las cartas se refieren al tamaño de las mismas para A4, A5 y A6.

Tamaño de carta DL

Uno de los usos mayores para las cartas para empresas es el formato DL que no cae bajo los tamaños de las series C, ya que tienen un aspecto de ratio distinto. Este formato se originó en Alemania en los años 20 y fue conocido como DIN lang. Este tamaño se define por los estándares ISO para los tamaños de cartas.

Las dimensiones de carta DL son 110 x 220 mm y será capaz de mantener una hoja A4 de papel doblado en tres secciones iguales paralelas a sus lados más cortos.

Los tamaños de papel americanos

Norte América, en la que se incluye a Estados Unidos, Canadá y partes de México, es el único área del primer mundo que no usa el estándar ISO 216. Usan este tipo de tamaños:

  • Media carta: 140 x 216 mm.
  • Carta: 216 x 279 mm.
  • Legal: 216 x 356 mm.
  • Junior legal: 127 x 203 mm.
  • Tabloide: 279 x 432 mm.

Hay que mencionar que el tamaño A4 es el equivalente a Carta en Estados Unidos, para que así podamos hacer una relación más sencilla. Fue ANSI (Instituto Nacional Estadounidense de Estándares) el que definió una serie regular de tamaños de papel basados en el formato Carta, con una serie de especificaciones que van desde tamaños A, B, C, D y E.

Americano

Estos son sus tamaños:

  • A: 216 x 279 mm.
  • B: 279 x 432 mm.
  • C: 432 x 559 mm.
  • D: 559 x 864 mm.
  • E: 864 x 1118 mm.

También se incluye el tamaño B+ que tiene unas dimensiones de 329 x 483 mm. Otros tamaños son los papeles para arquitectura que tienen ratios de 4:3 o 3:2. Son unos ratios similares a los que se usan en las pantallas para ordenador.

Tamaños de periódicos

tabloide

Los periódicos han sido impresos en una gran variedad de tamaños con el estándar “Broadsheet” que se basa en 600 x 750 mm. Este término deriba de las hojas singulares de las sátiras políticas y baladas vendidas en las calles, que fueron bien populares después de que Inglaterra impusiera un impuesto en los periódicos allá por el año 1712. Estamos ante un tamaño que está siendo cada vez menos popular.

Berliner es otro tamaño de periódicos y es de 315 x 470 mm. Un formato usado por periódicos en Europa. También tenemos el tamaño tabloide que son 280 x 430 mm y que se refiere a la mitad de Broadsheet. Su historia pasa por el término periodismo sensacionalista que compactaba las historias en un tamaño pequeño y fácil de leer.

El artículo Tamaños de papel ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Trabajar de forma ordenada con Photoshop creando grupos de capas

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Aprende a trabajar de forma ordenada con Photoshop

Trabajar de forma ordenada con Photoshop creando grupos de capas para conseguir ordenar todo nuestro trabajo y empezar a movernos como verdaderos profesionales de Photoshop. En este programa mágico para el retoque digital no todo es saber crear increíbles efectos sino también adoptar una dinámica de trabajo que nos permita trabajar de una manera controlada, ordenada y rápida de tal forma que podamos encontrar cualquier elemento (capa) de forma rápida.

En muchas ocasiones trabajaremos archivos de Photoshop donde tendremos miles de capas con millones de efectos, ajustes y muchas otras cosas que nos provocaran una cacao mental a la hora de tener que trabajar partes concretas de nuestro diseño. Si quieres trabajar de una forma profesional debes empezar a crear una dinámica de trabajo ordenada y clara, una dinámica que te permita localizar cualquier capa de forma rápida. En este post aprenderás a crear grupos para conseguir agrupar y ordenar todo tu trabajo.

Aprenderemos los siguientes conceptos:

  1. Crear grupos
  2. Agrupar capas en grupos
  3. Crear mascara de capa
  4. Crear capas de ajuste

Tocaremos algunas herramientas (las vemos en el vídeo)

  1. Lazo
  2. Lazo poligonal
  3. Lazo magnético

Lo primero que tenemos que hacer para empezar es abrir nuestro documento en Photoshop. Creamos un documento nuevo o usamos uno que ya tengamos creado para poder comenzar a trabajar.

Para este post hemos creado un pequeño collage muy rápido, podemos ver el resultado final con nuestras capas en la parte inferior derecha de la imagen.

Trabaja de forma ordenada con Photoshop

Lo primero que vamos a hacer es comenzar a añadir capas a nuestro documento. Una vez tengamos las capas añadidas lo siguiente que haremos será cambiarles el nombre a las capas dando doble click sobre ellas.

Nombrar las capas es una forma de trabajar de manera ordenada en Photoshop

Una vez tengamos todas nuestras capas renombradas lo siguiente que haremos es crear grupos. Estos grupos también deben estar nombrados de forma correcta para poder trabajar lo más ordenado posible.

Para crear un grupo solo tenemos que presionar el icono de la parte inferior derecha, justo debajo de la zona de capas.

Trabajamos de forma ordenada creando grupos en photoshop

Una vez tengamos los grupos hechos lo único que tenemos que hacer es arrastrar las capas dentro de estos grupos, esta manera todas nuestras capas estarán dentro de cada uno de sus grupos correspondientes. Es una manera practica y muy profesional de trabajar con este programa de retoque digital.

Otra manera de trabajar de forma ordenada con Photoshop 

Ya tenemos nuestros grupos creados y nuestras capas renombradas y ordenadas, ahora lo siguiente que debemos hacer es comenzar a acostumbrarnos a trabajar con máscara de capa y capas de ajuste.  Estas capas nos permiten trabajar de forma controlada pudiendo incluso realizar cambios en las capas en cualquier momento.

La capa de ajuste nos permite realizar cualquier tipo de retoque de una manera controlada mediante el anexo de una supcapa unida a esta. Para crearla solo tenemos que pinchar en el icono de capa de ajuste y seleccionar que tipo de ajuste queremos realizar. Cuando queramos cambiar los parámetros de nuestra de nuestra capa solo tendremos que hacer doble click sobre ella.

Crear una capa de ajuste nos permite trabajar de forma odenada

La siguiente capa que deberíamos usar es la máscara de capa. Esta máscara nos permite borrar partes de una imagen sin perder la información de la capa, podemos recuperar cualquier parte borrada de nuestra imagen.

Para crear la máscara de capa lo único que debemos hacer es seleccionar la capa a la que queramos aplicarle la máscara y posteriormente pinchar en el icono de máscara de capa.

Crear máscara de capa

Con esta manera de trabajar tan simple conseguiremos mejorar nuestro flujo de trabajo y acercarnos un poco más a un resultado profesional. Recuerda siempre trabajar de la manera más ordenada posible porque no siempre trabajarás solo, sino en equipo.

El artículo Trabajar de forma ordenada con Photoshop creando grupos de capas ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Diseño de packaging sostenible, su importancia y proyectos inspiradores

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Packaging sostenible de huevos

Las condiciones medioambientales de las últimas décadas han generado un cambio de paradigma en el mundo del diseño. Es así como los modelos de empresa han cambiado ante la presión de nuevas generaciones más ecológicamente consientes y responsables. De esta forma han mutado de una posición orientada al producto hacia una caracterizada por la personalización de productos y servicios.

En este sentido, los diseñadores entendemos que las decisiones del consumidor son un valor primordial.  Para responder a este cambio de pensamiento debemos también adoptar el mismo compromiso ecológico. Sin embargo, a pesar de que parezca que las empresas realizan todos sus esfuerzos por ser ecológicamente responsables; la verdad es que sus acciones son mínimas. Generalmente el motivo del poco compromiso de las empresas esta relacionado con su percepción de los costos que generan el desarrollo de acciones y/o políticas medio ambientales.

Por esta razón es que depende de los diseñadores apoyar el desarrollo y producción de productos sostenibles. Contrariamente a lo que piensan nuestros colegas ejecutivos, los diseñadores sabemos que un diseño eficiente que ha sido diseñado de forma sostenible puede disminuir costos de producción y mejorar la imagen global de la marca.

Sin embargo, no es suficiente que simplemente diseñemos ecológicamente. Es necesario que planteemos todo el proceso de producción del producto con conciencia sostenible. Esencialmente debemos planear cada escenario de transformación del producto cuidadosamente para disminuir al máximo la huella de carbono que genera tal proceso productivo.

A continuación recopilamos ejemplos de diseño o materiales de productos sostenibles:

Screemin’ Reels Ipa

La cervecería Saltwater Brewery desarrolló un packaging biodegradable y comestible para agrupar los packs de cerveza. Las anillas de los packs de cerveza siempre han sido una amenaza para animales marinos, ahora son alimento.

Envase de latas de cerveza Screemin' Reels Peces comiendo anillas de cerveza

Envases de fibra de hongos

La fibra de hongos es un nuevo material compostable, muy duradero y de producción sostenible. Actualmente se utiliza como mobiliario pero empresas como Ikea planean innovar al utilizarlo para sus packaging.

Packaging de fibra de hongos

Jabones Pangea Organic

La marca de jabones Pangea Organic diseñó los packaging de sus productos con una visión de cero residuo. De esta forma integraron semillas de albahaca a las paredes de la caja de pulpa de papel, la cual es biodegradable. Entonces al plantar la caja el consumidor obtiene también una planta.

Productos Pangea Organics y envase compostado

Un ejemplo lujoso que pone en practica el supra-reciclaje (upcycling) es el Packaging de ron “From Waste to Wasted” de Fitzroy. Su tapa es producida a partir de etiquetas de Coca-Cola derretidas.

Packaging de ron From Waste To Wasted

Productos de Kjaer Weis

La marca Kjaer Weis es el ejemplo perfecto de diseño de producto para el reuso o rellenado. De esta forma ha diseñado productos altamente estéticos y funcionales para rellenarlos posteriormente con un cartucho de recarga. Así se puede intercambiar diferentes productos cosméticos en un solo contenedor.

Cosmetico rellenable de Kjaer Weis

Botella de papel de bamboo

Jim Warner diseño la botella de papel a partir de fibras de bamboo y otros materiales biodegradables. Es fácil de usar y permite múltiples aplicaciones de diseño.

Botella de agua de bamboo

This Too Shall Pass

Este proyecto de packaging fue diseñado por el estudio sueco Tomorrow Machine. Es una serie de envases de comida donde el packaging tiene la misma fecha de caducidad que el alimento que contiene. Uno de ellos es el de aceite de oliva donde el material es azúcar y cera de abejas, al romperse el envase para dejar salir el producto, la cera de abejas deja de proteger el azúcar pudiendo ser desintegrado con agua.

Packaging aceite de oliva

Lápices Ecopal

Los lápices Ecopal son creados a partir de materiales no biodegradables que iban a ser desechados como residuos urbanos.

Lápices Ecopal

 

El artículo Diseño de packaging sostenible, su importancia y proyectos inspiradores ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

21 portfolios de diseño para buscar inspiración para el tuyo

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portfolios web

Internet se ha convertido en la fuente de recursos por excelencia para buscar inspiración para todo tipo de usos. Uno de ellos es buscar los portfolios más interesantes y de mayor calidad, al igual que creatividad, para tomar lo que nos interese y llevarlo el nuestro.

De esta forma seremos capaces de proyectar de mejor forma todo aquello que queramos vender y mostrar realmente como somos. Es algo que no es nada fácil, así que estos 21 portfolios de diseño son perfectos para estar al día de lo que se lleva en esta categoría artística tan importante a día de hoy.

Merijn Hoss

Merin

Estamos ante un artista que se identifica por el arte psicodélico. Esto se ve rápidamente en la galería de trabajos que muestra desde el sitio web principal de su portfolio. Un fondo blanco para que rápidamente obtengamos esa sensación tan magnífica que imprime a cada una de sus obras de gran colorido y proyección.

RoAndCo Studio

roan

RoAndCo es un estudio afincado en Nueva York y que tiene como director creativo a su fundadora Roanne Adams. Es en el primer momento en el que aterrizamos en su sitio web en el que encontramos sus soluciones artística desde una fotografía en el que se muestra su forma de entender el arte. Un túlipan y una enorme roca hacen lo suyo para implantar esa estampa en nuestra memoria visual.

Velvet Spectrum

Velvet Spectrum

El portfolio artístico del artista Luke Choice. Con marcas conocidas por todos y una galería de imágenes en el que rápidamente se puede entrever su pasión por el color y la vida, Choice es un portfolio que se dirige directamente a lo simple con un fondo en blanco y un menú superior donde podemos ir a las distintas partes de su sitio web. El rojo sigue siendo lo predominante para acceder a sus redes sociales.

Toy Fight

Toy Fight

Un portfolio web que tiene un gran apetito por el color amarillo y una serie de animaciones muy efectistas que intentan deslumbrar al cliente que busca al estudio ToyFight basado en Manchester. Parallax es el efecto para las transiciones animadas con un gran acierto en la forma de mostrar sus trabajos de diseño; no faltéis a la cita con estas webs con animaciones SVG.

Made Thought

Made Thought

“Hecho pensamiento”, es el atractivo y singular portfolio de Made Thought que nos bombardea con una serie de imágenes que somos capaces de asimilar con un poco de esfuerzo. Es esta la intención de este estudio que sigue la estela de esos sitios webs que profesan gran devoción por fotogramas rápidos animados. Poco más podréis encontrar en este sitio web que rápidamente muestra sus intenciones artísticas.

Mister

Mister

Mister es un portfolio que juega con la tipografía y con un aspecto monocolor que le brinda gran elegancia. Todos los elementos web están basados en tipografía, con la única diferencia de los tonos monocromáticos que invaden cada una de las letras que constituyen esta original propuesta como sitio web. Interesante por su originalidad.

Malika Favre

Malika

Los colores planos son el principal motivo del portfolio de Malika Favre y que se inspira del art-deco en toda su obra con un gran acento en el color y contrastes. Una gran galería de sus trabajos que toman el protagonismo para destacarse del resto de la lista, al igual que lo hace como ilustrador. Una buena combinación de trabajos y diseño para ilustrar perfectamente sus razones artísticas.

Studio Myerscough

Studio

Estaríamos ante un portfolio que es en si la representación perfecta de lo que es una tarjeta de visita (aquí tenéis un gran repertorio de las mismas). La idea es una landing page con tres iconos que te llevan a su correo, su Instagram y sus cuentas de Twitter. La simpleza de su diseño es su gran valor para conformar un especial portfolio que se distingue en creatividad e ideas. Lo bueno si breve, dos veces bueno…

Panda Yoghurt

Panda

Otro gran portfolio, aunque se parece a algunos de los que hemos listados al disponer de una galería de trabajos entre los que se encuentran grandes marcas como Nike. Un sitio weeb de Douglas Bowden, un director de diseño y 3D que publica su contacto en esta web con un toque bien claro y limpio para que sus trabajos tomen la escena.

Pollen

Pollen

Pollen es el portfolio de una agencia digital de marketing que ha trabajado muy bien ese formato de scrolling en el que podemos ir encontrando las distintas fotografías que conforman parte de su repertorio de diseño. Son imágenes que captan poderosamente la atención del visitante para quedarnos con el scrolling parallax y unas miniaturas muy bien presentadas. Si estás buscando inspiración para tu sitio de fotografía, Pollen es uno de los mejores ejemplos dados en esta publicación.

Sagmeister & Walsh

Sagmeister

Un portfolio que nos pone ante un formato de vídeo llamativo con una cámara en directo y que profesa gran profesionalidad. Sumamos a esto una galería de trabajos en imágenes con bordes de gran anchura en negro, más un menú superior que hace el resto con su tipografía en blanco, para quedarnos con el objetivo conseguido de que nos quedemos prendados por la originalidad del sitio. Más bien por su concepto y formato.

Femme Fatale

Femme

El propio nombre de este estudio indica lo vinculado con lo femenino. Un estudio creativo basado en París que se dirige hacia la cultura, el lujo y el arte. Busca un efecto bien llamativo cuando una serie de elementos estructurales, más bien las partes de un rostro, se dirigen hacia el puntero del ratón para reflejar esa búsqueda de lo creativo en su esencia sin olvidarnos de lo dicho del lujo y el arte.

Sean Halpin

Sean

Un ilustrador que se retrata de la mejor forma posible en su sitio web portfolio. Entre tanta sofisticación, el portfolio de Halpin es capaz de engatusarnos por sus colores planos y esa divina forma de distanciarse del resto de esta lista. Un diseño simple y de fácil lectura que nos lleva directamente a las partes principales de su portfolio.

Christopher Lee

Lee

Otro ilustrador que “ama” los colores planos para mostrar en una gran galería su variado repertorio de trabajos de ilustración. Un artista que se inspira en los cartoon de los 90 y la cultura urbana. Tiene un menu “sticky” en la parte superior para que podamos acceder a sus redes sociales, contacto, tienda e incluso blog.

Rosie Lee

Rosie Lee

Otra agencia creativa que trabaja para grandes marcas de zapatillas deportivas y que muestra su forma artística en una web que se distingue por los artículos y proyectos de una galería a la que se puede acceder a través de un suave scrolling. Es interesante tomarse un poco de tiempo para profundizar en cada uno de los artículos y encontrar las razones y las inspiraciones que le llevaron a cabo para diseñar cada uno de sus trabajos.

Bleed

Bleed

Bleed es un portfolio que hace un buen cóctel de distintas formas de conformar lo que es un sitio web según vayamos desplazándose por el sitio web. Desde las fuentes tipográficas que van apareciendo según usamos la rueda del ratón, hasta una serie de imágenes en galería en la que no falta el vídeo. Muy bien optimizada, su variedad es el sello que la distingue de otras.

Steven Bonner

Steven Bonner

Steven Bonner se convierte en un amante de las imágenes enormes que toman todo el espacio de su sitio web para hacerlas destacar. Cabe destacar el gran trabajo que se hace cuando se cambia el tamaño de la web para que el diseño web realice un gran trabajo al reducir el tamaño de las fotografías y dejarlas caer en vertical cuando el espacio se torna cada vez más pequeño.

Tim Lahan 

Tim Lahan

Otro portfolio de galería de imágenes en el que la simpleza de sus elementos son su gran valor. El menú queda estático en la parte superior para que podamos explorar cada uno de los trabajos que muestra este diseñador gráfico y artista Tim Lahan. Sorprende mucho el dominio usado para que podamos recordarlo y dirigirnos a el en todo momento. Descúbrelo tu mismo.

Tim Smith

Tim Smith

Si hemos hablado anteriormente de un dominio llamativo, mypoorbrain.com, o mi pobre cerebro, es sin ninguna duda otro que intenta sorprender para que se nos quede en nuestra memoria y podamos volver a el en todo momento. Llama también la atención las gráciles animaciones cuando dejamos el puntero del ratón sobre cada uno de los trabajos de este artista que, a partir de una serie de tarjetas bien organizadas, es capaz de expresar de una pasada su expresión artística y estilo. CSS3 y HTML5 se encuentran aquí para ser un gran ejemplo de uso.

Stereo Creative

Stereo

Una agencia basada en Londres que se vale de imágenes y vídeos al mayor tamaño posible para captar la atención del cliente que posa su puntero de ratón en su sitio web. El lema de cada uno de los trabajos según vamos haciendo scrolling, indica donde pone el foto de atención.

Fieldwork

Fieldwork

Se sirve de un GIF animado de colores planos conformas muy originales para hacerse destacar desde el primer momento. Un estudio creado por Ives y Andy Gott y que ha trabajado para numerosas marcas. Se pueden leer los artículos de sus trabajos al igual que pasar por una galería un poco corta de algunos de sus trabajos. Otro ejemplo a seguir por lo colorido de sus formas y elementos.

El artículo 21 portfolios de diseño para buscar inspiración para el tuyo ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

16 combinaciones de colores sacadas de la magnífica fotografía de La La Land

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Ciudad de las estrellas

Las combinaciones de colores nos permiten tomar los valores HEX para así integrarlos en una web o app en la que estemos trabajando. Si queremos impregnar ese sitio web de algo sofisticado, podemos encontrar un esquema de color que nos permite implementar esos tonos para que los elementos web tomen mayor consonancia y el usuario que visite la web encuentre ese sentido.

Vamos a compartir con todos vosotros 15 combinaciones o esquemas de colores sacados de una película de Hollywood como La La Land o La ciudad de las estrellas, y que hace gala de un colorido muy llamativo. Ese color es capaz de enfatizar las escenas de ternura, amor, tristeza o soledad de una manera realmente significativa. Y es que recibió incluso el Oscar a la mejor fotografía, al igual que otros tantos.

El contraste de los rojos y verdes

La La Land

Ya tuvimos ocasión de conocer estos esquemas y gama de colores, así que empezamos con una escena en la que se recoge a la protagonista con una combinación de colores bien vistosa y de contrastes.

El baile en el atardecer de los frios y el amarillo

La La Land

La La Land es capaz de impresionar por el gran juego de colores que hay en cada una de sus escenas. En esta el amarillo y el blanco tirando a gris toman todo el protagonismo para enriquecerse con todos esos colores fríos que los rodean.

La distancia en los tonos cálidos

La La Land

Otra escena poderosa donde muestra a Sebastian refugiándose en el piano en una boda en la que sus notas ponen todo el color. Esta escena busca la distancia entre los tonos más vivos para dejar los más oscuros justo en medio.

El casting de los tonos fríos y verdes

La La Land

Un momento importante para Mía en la que se puede recoger lo sobrio y la serenidad de ese relax que se toma antes de entrar al casting. El verde y el rojo es el contrapunto al resto de la fotografía. La entrada de la luz por la ventana es capaz de hacer respirar a ese momento tan tenso.

La habitación de los colores vivos

La La Land

La frescura de lo desconocido, la espera por lo que le puede tocar y lo femenino en toda su esencia en esa primera parte de la película, antesala de la fiesta. Los colores más vivos en contraposición con tonos rosados y violetas dan un aspecto de ñoño, perfecto para un acento romántico como es La La Land.

Los colores primarios toman el relevo

La La Land

Lo femenino se envuelve en toda su energía con los colores primarios más ese verde que acompaña en una escena nocturna en no hay nadie más que las amigas de Mia y ella misma. Vuelven los colores vivos a este esquema de colores en el que se quiere captar la atención del espectador o usuario que aterriza en nuestra web.

Los azules acuarelados

La La Land

Una escena en la que Mia y Sebastian bailan sobre un cuadro en el que el color azul toma el protagonismo, más una serie de tonos verdosos y esos rojos y rosas que son algo predominante en toda la cinta de esta película de Hollywood.

Lo relajante de la luminosidad

La La Land

El piano, Sebastian, la música y la iluminación entrecortada que entra por un lateral del gran ventanal. Tonos suaves, más un marrón y un violeta que aparece sutil para conformar una serie de colores que en si relajan y dan prestigio a ese momento tan íntimo y personal.

El rojo y amarillo arropados por el verde

La La Land

Hay algo en esta toma que es capaz de fundirse para que el verde sea el nexo entre ese amarillo y rojo que son capaces de crear el amor más puro. Una serie de tonos que se funden para resaltar el diseño web de un sitio como podría ser alguno relacionado con la moda.

La noche azulada

La La Land

La ciudad de las estrellas ganó el Oscar a mejor fotografía por algo. La combinación de tonos azulados con distintas terminaciones, nos llevan ante un esquema de colores adecuado para lo elegante.

Lo íntimo del violeta y el rosa

La La Land

El rosa es otro de los protagonistas que recorren los fotogramas de esta película de Damien Chazelle. Aquí se funden los rosas y violetas para mostrarnos la intimidad del amor que se profesan Mia y Sebastian. El tono más azul es el que da el contraste necesario para equilibrar el esquema de colores.

Lo comedido de la soledad

La La Land

Nos podemos fijar que cada vez que aparece Sebastian con su piano y su soledad, los colores fríos y tonos violetas claros se centran para combinarse perfectamente con el color marrón que hace muy bien su papel en este esquema de colores.

El verde

La La Land

Esta escena se consigue con el verde y algunos tonos más claros. No falta el amarillo y el veis de la chaqueta del actor protagonista que se mezcla perfectamente con todo el entorno. El amarillo es parte de la receta mágica de esta escena.

La soledad de nuevo

La La Land

Otra escena que nos recuerda a otro esquema de color al que vuelve el director de fotografía para tomar ese instante en el que la cama, la luminosidad y las sombras alargadas traspasan la mirada del espectador.

Lo rojizo

La La Land

Mia nos envuelve con el tono rojizo de su pelo, el color de sus ojos y ese azul tenue de su blusa. Una escena tranquila nexo entre los dos protagonista que se torna en devoción. Un esquema de colores que relaja la mirada ante la intensidad del resto que queda por ver.

Lo violeta y lo oscuro

La La Land

Sebastian toma el piano para rodearse esta vez de público, pero de unos tonos oscuros protagonizados por los rojos y el púrpura. Es su ropa en marrón la que toma el centro de la escena.

El artículo 16 combinaciones de colores sacadas de la magnífica fotografía de La La Land ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

El nuevo lápiz digital Bamboo Tip: la solución de Wacom para Android e iOS

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Bamboo Tip

El cambio digital que vivimos a día de hoy con millones de smartphones en las manos de millones de personas en todo el planeta, conlleva que las experiencias de usuario cambien de aquellos lápices digitales concebidos más para pantallas de mayor tamaño o para aquellas tabletas digitales.

Ese cambio lo podemos atestiguar con el nuevo lápiz digital de Wacom al que ha llamado Bamboo Tip. Un nuevo lápiz que ofrece una mayor compatibilidad con una amplia gama de dispositivos, ya sean estos bajo Android, el sistema operativo más instalado del planeta, o iOS, aquel circunscrito en los iPhone de Apple.

Ha sido hoy cuando Wacom ha anunciado Bamboo Tip, un nuevo lápiz digital de punta fina para dispositivos Android e iOS. Es un producto ideado principalmente para aquellos usuarios que buscan la toma de notas y trabajar con distintos dispositivos sin perder ese ápice de precisión, ya sea la pantalla en la que trabajen.

Tip

Bamboo Tip destaca por ofrecer una experiencia intuitiva y ágil y ha sido ideado para dispositivos Android, iPhone e iPad. Este lápiz digital se vale de una superficie duradera y agradable al tacto que ofrece el aluminio anodizado, el material principal de este producto que destaca por un color azul oscuro con un clip muy resistente.

La batería es de 20 horas de autonomía, por lo que se convierte en el lápiz ideal para llevarlo con nosotros y no estemos buscando un cargador para poder seguir trabajando con el. Tiene un sistema de autoapagado a los minutos en los que no se usa y se vale de un interruptor en el extremo superior para que se pueda ajustar el rendimiento, justamente para cambiar la frecuencia con la que el lápiz de comunica con un dispositivo.

Su precio es de 59,90 euros desde la tienda online de Wacom para así acceder a un lápiz con el que escribir notas en cualquier pantalla de cualquier dispositivo móvil. Son varios los lápices de esta marca.

El artículo El nuevo lápiz digital Bamboo Tip: la solución de Wacom para Android e iOS ha sido originalmente publicado en Creativos Online.


Cómo dibujar una nave espacial estilo Pixel Art con Pixel Art Studio

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Nave espacial

Aquellos tiempos en los que, en los años 80, para poder crear Pixel Art tenías que tirar de código binario para conformar la forma de una nave o de una persona animada con una serie de iconos que se superponían el uno sobre el otro. Ese código binario fue capaz de darnos joyas de los videojuegos para ser casi la base para que a día de hoy podamos disfrutar de una nueva edad de oro del Pixel Art gracias a los juegos para dispositivos móviles.

Y al mismo tiempo que han cambiado los tiempos con esos dispositivos móviles, podemos acceder a una serie de herramientas que nos facilitan la creación de Pixel Art con nuestro PC. Una de esas herramientas es Pixel Art Studio, un programa gratuito que tienes disponible desde la Windows Store en Windows 10. Vamos a pasar a comentar cada una de las características de este programa, al igual que mostrar los pasos para crear Pixel Art de una forma bastante sencilla con las útiles herramientas que facilita esta app.

Las características de Pixel Art Studio

Estamos ante una herramienta de gran poder y que puede ser utilizada por cualquiera que quiera adentrarse en el diseño de Pixel Art. Entre sus características llamativas se encuentra que está optimizada para lápices digitales y aquellos con entrada táctil, así que si tenéis un lápiz Wacom o un Surface de Windows, podréis casi volar en el diseño Pixel Art.

Pero no solamente se queda ahí, sino que cuenta con una serie de características como son su modo previo de sprites, capacidad para importar/exportar PNG, distintos tipos de pinceles, ajustes para el tamaño y opacidad del pincel, presión del pincel, efectos especiales en las capas, tamaño personalizado del lienzo, funcionalidad avanzada de las capas, dibujo simétrico, control sobre cada uno de los píxeles de nuestro trabajo y la posibilidad de dibujo de formas con algunos pinceles en concreto.

pixeles

Es la habilidad para dibujar simétricamente una de las más útiles, ya que con esa herramienta seremos capaces de crear objetos en un santiamén, como puede ser una nave espacial o un objeto en concreto que le venga muy bien para ese amigo que se está poniendo las manos a la masa para crear su propio videojuego para Android o iOS.

Pixel Art Studio también tiene su versión web, aunque está disponible en alfa, por lo que posiblemente os encontréis con algunos bugs. Así que para poder adentrarte en el mundo del Pixel Art, te recomendamos que pases por la descarga del programa desde la tienda de Windows 10.

Las herramientas e interfaz de Pixel Art Studio

En el momento que lo hayamos instalado y lanzado el programa, tendremos ante nosotros el lienzo con forma de cuadrículas que nos permitirá dibujar con los distintos pinceles que podremos encontrar en la barra de herramientas lateral izquierda.

Como podéis ver, tiene muchas similitudes con otros programas de diseño, así que si estamos acostumbrados a Photoshop y otros, os sentiréis como en casa. Dicho esto, vamos a repasar las distintas partes del programa. En la parte superior tenemos las herramientas de borrado, echar para atrás, pegado, previo y zoom.

superiores

Aparte de estas, que serán muy usadas para distintos cometidos, tenemos una muy importante: herramientas o tools. Si pulsamos en ella podremos acceder a una serie de herramientas de gran importancia para comenzar con el dibujo de nuestro primer Pixel Art.

Tenemos a Rotate, que se encargará de rotar el dibujo que hayamos hecho ya; Flip X, para voltear de forma lateral el dibujo creado; Flip Y, con la misma función aunque lo hará verticalmente desde el eje Y; y Mirror X y Mirror Y, dos herramientas esenciales para facilitar la creación de Pixel Art. Cada pixel que dibujéis en el lienzo, será doblado en la otra parte del mismo. Dependerá que se use la herramienta Mirror X para que se copie en el lateral, o Mirror Y para que sea en la parte vertical.

Mas

El resto de herramientas de esta parte es Grid, para cambiar el tamaño de la cuadrícula; Axis lock, para echar el cerrojo a los ejes X e Y; Import, para importar una imagen y así jugar ya con una base en píxeles si la que hemos importado es lo suficientemente pequeña; y Resize, para cambiar el tamaño del lienzo.

También tenemos la opción de usar Animation, aunque esto lo dejaremos para otro tutorial. Significa que podréis animar píxeles para así crear explosiones o todo ese tipo de efectos necesarios al igual que animar personajes. Por último tenéis “More”, para así acceder a guardar, cargar, nuevo arte, exportar o ver la galería; una serie de herramientas básicas para la creación artística con este programa.

Las herramientas de dibujo y las capas

En la parte izquierda tenemos las herramientas principales de dibujo más lo que es el selector de color. El selector de color es bien básico con un historial de colores recientes y colores personalizados para un rápido acceso a ellos. Esta parte es interesante, ya que muchos de los dibujos que hagamos no necesitarán tantos colores, con unos cuantos seremos capaces de realizar Pixel Art de calidad.

La siguiente herramienta son los ajustes de pincel, que nos permiten ajustar el tamaño y opacidad del mismo. Tenemos unos configurados por defecto para así acceder rápidamente a ellos sin tener que perder nada de tiempo.

Lateral

Si pulsamos ahora sobre la herramienta de pincel, podremos elegir también línea, cuadrado o círculo. Las otras herramientas son bien conocidas como borrado, bote de pintura para rellenar una zona y selección.

En el otro lado tenemos a la parte de las capas que nos permitirán dibujar las capas que nos interesen. El signo + para crear una nueva capa que se añadirá a la actual para así tener todas las que queramos. Podemos bloquearlas con el signo del candado o hacerlas visibles con el signo del ojo.

Capas

Como podéis ver, Pixel Art Studio nos lleva ante un programa bien sencillo en su dinámica para que nos dispongamos rápidamente a crear un dibujo Pixel Art. En este caso vamos a crear una nave intergaláctica que podríamos usar en un shoot ’em up de esos de muchas explosiones y muchos enemigos.

Cómo dibujar una nave espacial Pixel Art con Pixel Art Studio

Descarga Pixel Art Studio desde aquí.

  • Vamos a seleccionar el pincel de línea y 1 pixel de tamaño para comenzar con el dibujo.
  • Hecho esto, nos vamos a Tools y seleccionamos Mirror X.

tools

  • Podemos reducir el tamaño del lienzo con la vista de zoom en la parte inferior izquierda con el signo + o -.

Zoom

  • Llevamos el puntero del ratón a la parte superior del lienzo justo en la mitad; con la guía nos será bien fácil.
  • Pulsamos y dibujamos hacia abajo la forma oblicua que dará lugar a la parte delantera de la nave.
  • Abrimos un poco las alas de la nave como podéis ver en la imagen a continuación con otra línea de distinto ángulo:

Alas

  • Ahora cerramos las alas de la nave y creamos la parte inferior de propulsión como veis en la imagen:

Propulsión

  • Es el momento de crear la cabina desde un tercio de la parte frontal de la nave, casi como hiciéramos la misma parte pero más pequeña para cerrarla finamente:

Cabina

  • Ahora los misiles colocados en las alas:

Misiles

  • Vamos a dar color a la nave seleccionando el selector del color.
  • Un azul con el código Hex #2c6598. Y lo pasamos a color personalizado al pulsar sobre el icono de la mano y arrastrarlo hacia la posición que queramos.
  • Elegimos ahora el cubo y hacemos clic en el interior de la nave dibujada y en los misiles.

misiles

  • Damos color a la cabina con este tono: #e1a279
  • Seleccionamos el color negro, un color gris le podría venir mejor, y dibujamos los alerones en la parte inferior de la nave. Podemos tomar como punto de inicio la vertical de la cabina.
  • También creamos una línea vertical de 5 píxeles situada justo encima de los mísiles.

Alerones

  • La punta del frontal de la nave lo cerramos con una línea horizontal. Esa parte también la coloreamos con un tono: #ec6d19

Punta

  • Es el momento de crear los reflejos de la nave con el pincel.
  • Desactivamos Mirror X y con un tono más claro: #f2c6a8, dibujamos el reflejo con unos cuantos píxeles en la parte lateral izquierda de la cabina como se indica en la imagen:

Reflejos

  • Para la punta de la nave, con el selector de color, podemos usar el cuentagotas para tomar el naranja y así elegir un tono más claro.
  • Os lo vamos a dar de todas maneras: #eeb18a
  • Importante: ir guardando como colores personalizados para poder volver a ellos en cualquier momento.
  • Cambiamos ahora a línea, elegimos el tono azul, buscamos uno más claro (#94989b) y dibujamos el reflejos en la parte lateral izquierda de la nave:

laterales

  • Vamos a colorear de negro los alerones como en la imagen con el bote de pintura:

alerones negros

  • Nos dirigimos a las capas y seleccionamos la del dibujo para duplicarla con Duplicate. También la bloqueamos la nueva capa con el candado.

Duplicada

  • Elegimos el color blanco y en la nueva capa duplicada usamos el bote de pintura para colorear todo el color azul e incluso los reflejos dados anteriormente:

Blanco

  • Ahora es el momento para seleccionar el lápiz o pincel, cambiamos el tamaño del pincel a 7px y pintamos todo el lienzo con el color blanco.
  • En la capa duplicada, justo donde estamos, seleccionamos el modo blend “Multiply” para que aparezca la nave.

Multiple

  • Nos vamos a los ajustes de pincel y elegimos el difusor a un tamaño de 5px. También el color negro y la opacidad del pincel al 10%.

Difusor

  • Lo que vamos a hacer es dar sombra a la parte lateral derecha de la nave y del propulsor en la inferior al igual que la parte de los misiles inferior:

Sombras

  • Nos vamos a Preview en la parte superior para mostrar un previo de la nave y tomamos el borrador para limpiar las sombras.
  • Tomamos el lápiz en mano y seguimos dibujando sombras alrededor de la cabina. Incluso en la cabina para dar volumen con la sombra.

Cabina

  • En todo momento podemos rebajar la intensidad de las sombras con la opacidad de capa.

Opacidad

  • Damos sombra a los misiles y ya tendremos lista nuestra nave.
  • Pulsamos en More> Export.
  • Escalamos la imagen a 400% o incluso añadimos espaciado de pixel para que aparezca más pixelada. Esto ya dependerá de nuestro gusto y arte.

Exportar

  • También podemos cambiar el fondo en background color y añadimos margen en X y Y a 45% y 60% respectivamente.
  • Ya tenemos lista nuestra super nave para guardarla como .PNG.

Nave espacial

Ahora a crear naves alienígenas de todo tipo para así conformar una serie de ellas para pasarsela a ese amigo que las espera con ansia para su juego.

El artículo Cómo dibujar una nave espacial estilo Pixel Art con Pixel Art Studio ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Las formas geométricas de la nueva identidad turística rusa para animar a visitar el país

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Rusia

Es el suprematismo el movimiento artístico enfocado en formas geométricas en el que se han basado cinco diseñadores de cuatro agencias rusas para formar la base de la nueva identidad turística de Rusia. De esta forma quieren animar a que visites algún día este gran país con una gran historia.

De gran dificultad pensar en idear un logotipo que sea capaz de expresar la gran diversidad de un país como es Rusia y que así cualquier visitante, o aquel que vea alguna de la publicidad, pueda identificar algunas zonas como platos regionales rusos.

Las agencias rusas encargadas de llevar a cabo este logotipo han sido Suprematika, Plenum, Artonika y Art.Lebedev. Lo más llamativo del logotipo es que lo han confeccionado de tal manera que puede ser usado para presentar las delicias gastronómicas rusas, al igual que la diversidad cultural del país.

Rusia

Incluso el deporte puede ser mostrado en esta genial y curiosa forma de entender la diversidad de un país que tiene tanta historia. Sus entornos que pueden ir desde la tundra hasta grandes lagos, conforman otro de los rostros que podrán ser vistos en los distintos anuncios.

Rusia viajes

La gran dificultad de llevar a buen puerto este proyecto es describir tantas cosas a la vez al mismo tiempo que hay que mantenerlo tanto simple como claro. Esas muñecas rusas también son parte de algunos de los anuncios que inundarán algunas de las ciudades de este país.

Rusia

La identidad ha sido elegida entre los participantes de la competición llevada a cabo por la Agencia Federal para el Turismo de la Federación Rusa. Una competición que fue lanzada en 2015 y que recibió 480 logotipos y 600 eslóganes.

Rusia

Unas formas abstractas que son todo un acierto por la creatividad y por la versatilidad que ofrece para ser utilizadas en distintos anuncios. Más información aquí y los logos para las Olimpiadas.

El artículo Las formas geométricas de la nueva identidad turística rusa para animar a visitar el país ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Adele, o como explorar los sistemas de diseño de las compañías top

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Adele

Los sistemas de diseño han surgido por la necesidad de las compañías de tener en mano todos aquellos procesos de desarrollo de producto que pasan por la complejidad de estar al día de las tendencias de diseño, UX y otra serie de productos mobile.

El crear un sistema de diseños o una librería de patrones es una necesidad para las compañías top, aparte de ser fuente de inspiración para aquellas otras que buscan soluciones a sus problemas complejos. Adele de UXPin es un repositorio open source de sistemas de diseño y librerías de patrones entre los que se pueden encontrar a Dropbox, Mozilla, GOV.UK o Loney Planet.

Entre sus características se encuentra la habilidad de obtener una lista de sistemas que usan una tecnología en particular, una estructura de datos o tiene parte de un sistema que posiblemente estemos interesados en el mismo.

Componentes React, CSS in JS (aquí un enlace a algún CSS de Creativos), paletas de color y guías de líneas, todo se encuentra en Adele para convertirse en una fuente de recursos de inestimable ayuda para diseñadores y equipos de diseño.

Adele

Entre sus ventajas se encuentra la posibilidad de explorar tecnologías usadas en otros sistemas de compañías, comparar estructuras de datos, observar la implementación de detalles en componentes y obtener material necesario para mejorar los sistemas de diseño propios.

En total son 43 sistemas analizados en 30 categorías y su objetivo, al ser una herramienta open source para la comunidad de creadores de sistemas de diseño, es ir acaparando más información acerca de todos los sistemas que están disponibles públicamente.

Un sistema abierto para la participación de cualquier diseñador que quiera contribuir a mejorar el repositorio de Adele. Podéis acercaros a la web desde este enlace para empezar a explorar los distintos sistemas disponibles y así usarlos para propios trabajos o para el equipo de diseño en el que os encontréis participando.

El artículo Adele, o como explorar los sistemas de diseño de las compañías top ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Un post para los amantes de la impresión tipográfica

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Los amantes de la tipografía no se pueden perder esta información

Un post para los amantes de la impresión tipográfica clásica que busca hacerse un hueco en la era digital y sobrevivir a la extinción por la que han pasado otras técnicas de impresión. La impresión tipográfica sigue muy viva en Tenerife (Santa Cruz, Canarias) gracias al esfuerzo y trabajo de algunos diseñadores que luchan por salvar esta técnica de impresión con tanta historia.

Hace unos días tuvo lugar el 4º encuentro de impresores tipográficos en donde se reunieron amantes de la tipografía y el diseño con el objetivo de compartir, mostrar y sacar a la luz todo el potencial de esta técnica de impresión. Experimentar con los tipos físicos es una experiencia única que no puede sentirse si solo usamos el ordenador. Incito a todos los diseñadores/artistas que si tienen alguna vez la oportunidad de trabajar con tipos no duden en hacerlo.

Para que el no lo cepa la impresión tipográfica tiene historia (mucha historia) desde los primeros tipos fijos hasta los móviles de Gutenberg. Si quieres saber algo de historia general sobre esto pincha aquí.

Tipos móviles para crear composiciones tipográficas

En el evento pudimos ver de primera mano el resultado de un taller tipográfico realizado entre amantes de este arte tipográfico. Desde carteles hasta tarjetas de navidad, la pequeña exposición mostró un trabajo muy limpio con cierto toque experimental.

Podemos ver una pequeña muestra de algunos de los trabajos expuestos en el evento tipográfico.

Como podemos apreciar en la fotografía se pueden combinar diferentes colores y tipografías pudiendo incluso usar ilustraciones y todo tipo de elementos físicos que consigan estamparse en el papel. No debemos olvidar que se trata de un sistema de impresión basado en la presión que ejerce la imprenta sobre una superficie, innovar y experimentar es algo que tenemos que hacer para sacar todo el potencial de esta técnica.

muestra impresión tipográfica

Dos diseñadores son los encargados en Tenerife de recuperar todo ese material tipográfico que esta apunto de ser desechado para darle así un nuevo uso y no dejar que se quede en el olvido. Matthias Beck ha realizado su formación de diseño gráfico y tipografía en Berlín. Residente en Canarias desde el año 2007, fundó el estudio de diseño Rosebud en el año 2008. Lars Petter Amundsen estudió diseño gráfico y tipografía en Central Saint Martin´s College of Art & Design en Londres. Desde el año 2003 reside en Tenerife.

Aquí podemos ver una fotografía de los principales protagonistas tipográficos: Tipos en su tinta ofrecen talleres personalizados donde podrás experimentar con los tipos móviles recibiendo el asesoramiento de profesionales del sector.

Dar vida a los tipos móviles es el principal trabajo de Tipos en su tinta

La impresión tipográfica la hemos visto en nuestro día a día porque es algo que se usa mucho: desde troqueles que cortan formas determinadas hasta un relieve (alto o bajo) que consigue aportar ese toque distinto a nuestro diseño. Es un sistema bonito que causa nostalgia a la hora de usarlo por todos aquellos amantes del diseño.

Un proyecto muy interesante (no estuvo en la expo) es el del BLOCD estudio quienes crearon unos tipos móviles muy dulces. Si quieres saber más puedes leer el post original.
Tipos móviles de carameloUna parte interesante de ese evento fue el poder conocer los nombres de algunos de los principales estudios de diseño que trabajan con el mundo de la tipografía.

Dejo un pequeño listado que nos ofrecieron a los visitantes:

Con este pequeño listado podemos curiosear un poco ese mundo tipográfico y ver qué es lo que nos pueden ofrecer para nuestros futuros proyectos de diseño.

Algunas técnicas por mucho tiempo que pasen consiguen superar el paso del tiempo y adentrarse en las nuevas tecnologías consiguiendo destacar entre ellas. Debemos ver estas técnicas no como algo antiguo sin valor sino como una posibilidad para crear algo diferente, y más aún si lo combinamos con nuevas tecnologías.

El artículo Un post para los amantes de la impresión tipográfica ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

Las 31 mejores fuentes gratuitas actuales para diseñadores

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Creativos Online

Seguimos en la búsqueda de nuevas fuentes gratuitas que nos sirvan para poner ese toque especial a nuestro sitio web, eCommerce o blog, y así sea capaz de destacar ante el resto o, al menos, atrape la atención del visitante que ha caído desde el buscador de Google al usar alguna palabra clave.

Vamos a recoger los 31 mejores fuentes gratuitas actuales que llegan exclusivamente para diseñadores de toda índole. Una serie de tipografías de gran calidad y que se hacen valedoras de aquello llamado como gratuito y que nos permite hacer destacar nuestro trabajo web. Vamos a ello con esas 31 fuentes gratuitas.

Emiral Script

Emiral

Una fuente para uso personal, para la licencia hay que pasar por caja, y que se caracteriza por esas formas curvas en un estilo a mano que es bien llamativo para productos.

IBM Plex

IBM

Esta tipografía tiene licencia open font, por lo que podrás usarla para lo que quieras. Fue creada por Mike Abbink y Bold Monday para la nueva identidad corporativa de IBM en 2017.

MADE Waffle

Waffle

Otra fuente para uso comercial gratuita y que tiene un vínculo especial con todo aquello que tenga que ver con la repostería y la cocina. Contiene dos fuentes.

Cheque

Cheque

Una muy elegante fuente que tenéis de forma gratuita tanto para uso comercial como personal en sus versiones regular y black.

Agane

Agane

Otra fuente gratuita para uso comercial que destaca brillantemente en esta lista de 31 tipografías.

Reckless

Reckless

Nos quedamos con las ganas de no poder acceder a su uso comercial gratuito para una tipografía un poco rebelde y distinta a las del resto.

Svart

Svart

Una fuente para uso personal que tiene rasgos nórdicos. Llamativa sin duda por sus rasgos tan característicos y por diferenciarse bien del resto.

Simpla

Simpla

Una fuente gratuita para uso personal que hace un vínculo muy especial con todo aquel tema de un blog o web que tenga que ver con la naturaleza.

Too Many Cowboys

Too Many Cowboys

Una llamativa fuente para uso comercial y personal que desde el primer momento nos lleva a algo muy americano.

Flexure

Flexure

Una fuente totalmente creativa para uso personal que se vanagloria por ser “art deco”.

Wild Creatures

Wild creatures

3 variantes para una fuente gratuita para uso personal que busca ese lado más salvaje y divertido en una tipografía.

Next Art

Next Art

Una tipografía elegante y con mucho tino por lo artístico que no deja indiferente a nadie. Sí, la puedes usar para algo comercial, así que adelante.

AtF Spark

Sparkline

El autor clama que estamos ante una tipografía gratuita sparkline, lo que significa que convierte los números en visualizaciones de datos.

Goldoni

Goldoni

Una fuente que lleva a la elegancia como santo y seña. La única pega es que tendrás que utilizarla para algo personal.

Spectral

Spectral

Una tipografía sans serif para uso comercial desde Google Fonts. Tiene el valor de llevar con sigo siete variaciones para que podáis utilizarlas para cualquier cometido.

Zilla Slab

Zilla Slab

Esta fuente es la principal de Mozilla, que hace un año cambió su logotipo, y es usada para los principales acometidos que propone sus servicios como su blog o explorador web.

Ginora Sans

Ginora

Al igual que la de Mozilla, otra fuente gratuita para uso comercial que tiene las suficientes variaciones para que alguna encaje en tus necesidades.

Banbury

Banbury

Una fuente muy “Brittish” y anglosajona que podrá ser usada para todo tipo de objetivos. Solamente gratuita para uso personal.

La Sonnambula

La Sonnambula

Tipografía para uso personal como si estuviéramos escribiendo a mano con gran distinción.

MADE GoodTime

Made

Licencia de uso personal para una fuente grotesca que contiene dos variaciones. Otra fuente que está muy vinculada con la gastronomía.

Lena

Lena

Una nueva fuente que tiene el gran valor de fusionar tanto ideas geométricas como suaves para ser una de las agradecidas de toda esta lista. Uso comerical y personal gratuito.

Escalope

Escalope

Una fuente gratuita para uso personal con un motivo gastronómico muy evidente. Si se quiere usar para comercial, hay que ponerse en contacto con la autora.

Aaron

Aaron

Comercial su uso gratuito, así que tienes en mano una fuente serif para crear bellas cabeceras y diseños de logos.

Adlery

Adlery

Tipo brush para una fuente gratuita para uso comercial/personal. tiene como detalle que está optimizada para una lectura fácil a tamaños medios.

Womby

Womby

Fuente especial sin ninguna duda para uso personal.

Lush

Lush

Una fuente gratuita comercial/personal que tiene un aire desenfadado muy llamativo.

Alcubierre

Alcubierre

Una tipografía sans serif muy fina y minimalista para todo tipo de trabajos. Una de las destacadas de la lista. Uso personal y comercial gratuito.

Kitten

Kitten

Con una gran variedad de variantes, es capaz de cubrir hasta 40 idiomas que usan el alfabeto latino. Muy a tomar en cuenta y una de las mejores de estos dos años pasados.

Bitter

Bitter

Una refrescante fuente para los días de hoy en los que usamos dispositivos móviles a todas horas. Uso gratuito comercial y personal.

Grand Hotel

Grand Hotel

Basada en el título de cabecera de la película Café Metropole de Tyrone Power. Bien llamativa y de uso gratuito personal y comercial.

Cenotaph

Cenotaph

Tiene un toque histórico elegante y minimalista que la deja en un lugar muy privilegiado entre todas las de esta lista. Licencia gratuita.

El artículo Las 31 mejores fuentes gratuitas actuales para diseñadores ha sido originalmente publicado en Creativos Online.

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